NOTICIAS TEATRALES - DE BOLOS - Edición de 31-8-2012

NOTICIAS TEATRALES Publicación creada el 6-8-2002 / Esta es la edición de 31-8-2012

TERMINA LA 15ª FERIA DE TEATRO EN CIUDAD RODRIGO

La 15ª Feria de Teatro de Castilla y León acaba de celebrarse en Ciudad Rodrigo del 21 al 25 de agosto, ambos incluidos

Por Nunci de León

Este año la Feria llega ya a su 15ª edición, es para celebrar, sin embargo todos estamos ensombrecidos por la muerte de Rosa María García Cano, tan reciente aunque ya va para medio año de la sorpresa, que así nos cogió a todos, por sorpresa. La última Feria fue su última Feria, y su presencia se echa de menos en estas calles y en estos teatros que ella tanto luchaba por hacer que cobraran vida al llenarse de gente. Ella era el alma mater, la fundadora y defensora de esta Feria de Teatro que se celebra cada año en Ciudad Rodrigo. Eché de menos las figuras de Arrabal y de Alonso de Santos que en otras ocasiones han estado en la Feria donde sus obras se representaban y han recibido homenajes. Ambos eran amigos de Rosa, formaban parte de sus devociones teatrales, las fotos lo prueban, Su compañero en la vida se sobrepone trabajando, Pero todos éramos amigos de Rosa porque tenía esa virtud de mirarnos a todos igual, de tratarnos sin mostrar preferencias ni discriminaciones hacia cuantos acudíamos a la Feria: Los que pintan mucho, los que pintan poco, los que pintamos la mona, todos éramos acogidos con esos ojos de mirada inteligente que ahora nos miran desde las fotos. De ahí que su homenaje fuera tan emotivo, tan intensamente vivido por el público que llenaba el Teatro Nuevo Fernando Arrabal. De ahí que todos nos esforzáramos, a pesar de la tristeza, en que todo saliera bien, en que la Fiesta del Teatro siga adelante por encima de la tragedia, y hasta creo que lo conseguimos porque esta 15ª edición ha sido un verdadero éxito de público, de artistas y de obras de calidad.

A ello ha contribuido el que el nuevo director de la Feria, Manuel Jesús González, ha sido durante muchos años la sombra de Rosa, con lo cual la sucesión se ha producido sin rupturas y él ha asumido la carga con toda naturalidad, desplegando en todo momento una gran energía. Una energía tal que yo juraría haberlo visto en varios sitios a la vez, pero esto es imposible porque yo no puedo estar en varios sitios a la vez, no tengo ese don y no puedo haberlo visto, pero él sí parecía tenerlo.

HOMENAJE A ROSA MARÍA GARCÍA CANO, CREADORA Y DIRECTORA DE LA FERIA

El primer día de Feria, día 21 a las 7 de la tarde, tuvo lugar en el Teatro Nuevo Fernando Arrabal el homenaje a Rosa María García Cano. El acto duró casi 3 horas, no hubo más espacios hasta la noche, y en un primer bloque se proyectó un documental biográfico sobre Rosa, antes de dar paso a un montaje en el que participaban 12 Compañías de Castilla y León y en el que se mezclaron todas las vertientes teatrales: fragmentos de teatro clásico, circo contemporáneo, clown, música, teatro gestual, títeres. Las otras compañías que tomaron parte en este homenaje fueron Spasmo Teatro, Rayuela Producciones Teatrales (que se ha encargado de la producción audiovisual), Corsario Teatro, Azar Teatro, La Chana Teatro, Teatro La Sonrisa, Mayalde, María Salgado, el mago Gonzalo Granado y la compañía de Hojarasca Danza. Todo ello coordinado por Teloncillo Teatro, compañía veterana de la Feria que tiene su sede en Valladolid.

Por la noche noche, ya más o menos repuestos, a las 23'30, nos dirigiríamos a Los Sitios para presenciar la actuación correspondiente a este primer día de la que hablaré más tarde.

ESPECTÁCULOS DESTACABLES QUE TUVE OPORTUNIDAD DE PRESENCIAR LOS RESTANTES DÍAS DE LA FERIA

La compañía The Baglady theater, afincada en Guadalajara, aportó toda la poesía que puede ofrecer una bolsa de plástico (tan frágil, tan resistente), tratada con manos expertas por la bailarina Malgosia Szkandera, que es a la vez actriz, coreógrafa, cantante de espléndida melena pelirroja con la que casi puede vestirse en invierno (y seducir en verano)... En todas estas artes se ha curtido y con todas confluye en una representación brillante y provocadora. Acompañada por una selección musical de primera, que mezcla temas pop y de música clásica amados y reconocidos por todos, esta mujer de apariencia tan frágil como sus bolsas, deja al público mudo de asombro. Adultos, jóvenes y hasta niños, cada cual interpreta lo que ve a su manera, lleno como está el salón teresiano de sensualidad, ironía y ternura. No hay palabras, sólo dejarse envolver por la magia de esta mujer, que en escena mezcla culturas, razas y estilos. Y las bolsas son las mismas desde hace 5 años, qué valor de material que despreciamos a diario. Esas en que nos envuelven la carne o el pescado y que tiramos de inmediato a la basura, o que sirven para atascar los ríos y los mares, pues son una obra de arte.

Teatro A cal y canto, con su obra Zero, el examen continúa, es una verdadera parodia de la educación secundaria tal como la conocemos actualmente, la escenificación de un completo absurdo y un derroche absoluto de medios donde basta con que sepan 4 cosas, para que aprueben, que están deseando pasarlos y ni modo... Ay ay ay. "Ni palante ni patrás". Por suerte, parece que el espíritu humano sigue vivo aunque adopte distintas formas a las habituales y los malos estudiantes son capaces de componer su música y sus letras hip-hop contando lo que les pasa, de ejercitar la camaradería entre ellos, de ocuparse de la abuela con alzheimer, etc. Están más cerca, en efecto, de los abuelos que de los padres, ahí se rompe por completo la comunicación y fallan todos valores. La maravillosa actriz Ana Ortega, que ya nos encandiló hace 2 años en esta Feria con Despido improcedente, hace en Zero dos papeles: el del niño gordo y su madre, sembrada que está y para partirse de risa. Cuando la vi más tarde en el comedor, conservando todavía sus tacones de madre, tenía el mismo aire despistado que su "hijo" fracasado con el que no se entiende. Así es: son iguales, pero entre ellos se sacan de quicio, qué tragedia.

Panta rhei trajo a la Feria desde el País Vasco Compañeros de barrio, una función preciosa y que, además, recoge, sin asfixiar, la preocupación por los niños que tienen alguna carencia motriz o trauma físico demostrando a lo largo de su desarrollo que, llegado el momento, estos niños pueden lograr sus metas igual que los demás. Lo que no cabe la menor duda es que han de estar provistos de una entrega y un valor inusitados, muy superior a los normalmente exigibles en otros niños, y que tienen que saber muy bien lo que quieren y estar dispuestos a dejarse la vida en ello si es preciso, para lo cual es contraproducente la compasión de los ajenos y la superprotección de los propios. Sin embargo, es imprescindible el apoyo de sus familias, que a su vez necesitan ser educadas. Todo esto queda muy claro en el conflicto con la madre que se resuelve con un rasgo cargado de valor y de emoción. Un niño como los que aquí salen acaba educando a sus padres y haciendo que ellos se impliquen con entusiasmo en lugar de llorar y lamentarse. Hay fisuras, el diálogo no es fácil porque hay mucho dolor, pero es necesario que se entiendan y esta función es una buena muestra de cómo intentarlo. Lo curioso de esta obra es que en ella los muñecos y los chavales de verdad están tan mezclados que intercalan sus problemas con toda naturalidad, como si todos fueran capaces de parecidos sentimientos y de exhibirlos por igual sin pudor.

SPASMO teatro trajo a la Feria, desde Salamanca, sus GAGS (Grupo de Agentes Graciosos Superdivertidos). Es un trabajo de equipo donde 5 actores, que parecen 27 por la actividad que despliegan, ponen en juego todas sua capacidades de investigar sucesos. Para ello se ayudan de su frescura, su imaginación, sus años en las tablas y su preocupación por ofrecer un espectáculo impecable del que uno salga resarcido y agradecido. Ellos tienen la sabiduría y el instinto de hacer eso tan difícil de gustar por igual a los públicos de todas las edades y, seguramente por ello, no se le asignó esta vez una hora nocturna como la primera vez que yo acudí a Ciudad Rodrigo, sino que se les otorgó el rango de grupo apto para todos, con horario de 11 de la mañana en el Teatro Nuevo. Una hora en la que predomina el ambiente escolar acompañado mayoritariamente por abuelos y padres, por este orden. El público se divirtió de lo lindo con sus gags, sufrió con sus sorpresas, se asombró con sus aparatos, transformaciones y aventuras de las que va a salir más de un investigador científico, y todos acabaron aplaudiendo y de pie como locos arrebatados. Los seis componentes de SPASMO teatro se entregan por completo, dan al máximo en cada escena y despliegan una energía que transforma el espacio en un laboratorio de reacciones múltiples, qué gran trabajo.

Farsas y églogas de Lucas Fernández, por la CNTC, tiene el valor de la recuperación histórica y conserva toda la sabia ironía de los pastores castellanos del renacimiento, con su aliento a ajos y hablando de amores para deleite de las gentes palaciegas. Nao d'amores, con este nombre tan gallegoportugués del siglo XV, nos habla de que Portugal y la Corona de Castilla eran uno, las fronteras muy difusas, por eso alegran el ánimo con su música a la vez que nos llenan de melancolía, pues nos recuerdan de dónde venimos y a dónde vamos. El Renacimiento ya apuntaba, zagales y zagalas eran el paralelo de los amores cortesanos que más tarde cantaría Garcilaso con su trasfondo pastoril culto. Qué gran siglo para la música y el teatro. Juan del Enzina, otro salmantinoleonés que daba nombre a mi instituto de Bachillerato en León, fue contemporáneo de Lucas Fernández y por eso su música resuena en la obra, que se disfruta el doble conociéndola.

El médico de su honra, de Calderón de la Barca, por el grupo Corsario de Valladolid, un grupo ya clásico de esta Feria, el grupo y la obra lo son, y por eso se nota la maestría en decir el verso, que es que se entiende todo a pesar de que los públicos son reacios de entrada al teatro en verso y al teatro clásico. Pero ellos lo han logrado, haciéndolo comprensible y ameno. Más que ameno, apasionado a veces, otras llega a ser sorprendente y terrible, con esos términos con que se resuelve el asesinato, tan cercanos al lenguaje forense, que dejan a los asistentes sin aliento y que hasta un escalofrío te arranca. Uno queda conmovido por el desenlace tan rápido y sin piedad, en que no caben circunloquios, de este Médico de su honra que queda así cubierto con la complicidad del rey. ¿Era un sabio este rey, era un villano y cómplice del asesino? Un gran desafío y una gran empresa para este grupo ya consagrado. Se puede decir que triunfaron y que arrancaron aplausos merecidísimos, por la sinceridad de los afectos que transmiten y la emoción que consiguen suscitar en el público con su buen decir y hacer. Aligeran la pesadez dejando la obra en lo esencial, con una buena versión y una buena dirección.

Baobab Teatro trajo desde Galicia Hilos, una función maravillosa con un guión perfecto que recoge todo lo que antes desperdigó con la narración para unirlo en un compendio final que ordena y recoge. La costurera / modista / narradora que así teje es Ana Bayer y es también la autora del guion. Como en un estuche de costura bien ordenado, todo encaja, y qué primor de clientes que tiene esta costurera de cuento, qué exigentes ellos y cómo ella se lo soluciona todo, todas sus exigencias. Y de cada cliente importante, ella guarda un hilo, así no pierde el hilo que la lleva al ovillo de la obra bien hecha. Qué envidia de ella porque además de ser gran narradora, ella es la autora del guion. Es un mundo de primor en el que ella vive narrando lo que le pasa, sus clientes, sus hilos de seda, sus botones, sus amistades, sus amores... Una obra que se merece figurar en las antologías de lo bien hecho y de lo bien acabado. Y creo que a partir de Hilos, va a crecer el gremio de las modistas -o costureras, qué más da si también suena bonito- a partir de esta obra.

El entrañable payaso Marcel Gros triunfó gracias a que abandonó una primera parte que resultó fallida, La A..., y que era lo que constituía su proyecto inicial, puesto que da nombre y título a la función tal como se anunciaba (La gran A...ventura). Con muy buen criterio, supongo, abandonó esa exploración trasgaláctica recién empezada para volverse hacia la ternura, para tornarse a lo que él sabe hacer muy bien, sus niños de camisa grande, su fakir, un payaso tierno lleno de traumas existenciales como todo el mundo, luchando cada día por hacer reír. Sus números son inimitables, sabe ganarse al público cuya opinión pulsa con instinto de cazador y reacciona sobre la escena porque todo su instrumental es él mismo. Lleva el laboratorio encima, como él mismo dice, y por eso le es muy fácil cambiar de registro sobre la marcha. Después, tuvimos el gusto de verlo pasear por Ciudad Rodrigo, ciudad que le gustó muchísimo, admirando sobre todo la entrega al teatro de sus gentes, y cómo no, la belleza de sus palacios y el buen yantar, hasta el último día de Feria.

Jekyll, de El desván teatro, hizo amena una historia profunda, un dramón bastante filosófico y difícil de representar en pocos minutos. Las 4 soberbias actuaciones desarrollaron un verdadero duelo interpretativo que estaba destinado a no dejar a nadie pensar en otra cosa que lo que allí se estaba dilucidando. El público adulto de las 18 horas en el Teatro Nuevo disfrutó ensimismado de esta verdadera recreación de ambientes victorianos que lo transportaban a la oscuridad del laboratorio donde escondidos viven los monstruos, sus olores y colores de vísceras que se perciben en toda su crudeza. Así pudo asistir a la transformación del ser humano al salir de la cueva a la luz y viceversa, la imposibilidad de luchar contra el amor y su capacidad redentora que aquí sin embargo, se pone en duda y finalmente se malogra, Como muchas historias románticas, no tiene final feliz, pero en Ciudad Rodrigo la obra triunfó enorme y emocionó.

Macbeth, por el grupo gijonés El callejón del gato, es una obra magna que hay que ir a verla habiéndosela leído. O habiéndola visto 20 veces, para disfrutarla a tope. Entonces sí. El grupo le da a la representación un carácter impresionista en el más puro estilo que este movimiento tomó en Alemania: Trazos gruesos que definen unos tipos, frases que marcan una atmósfera, un ambiente, un estado de ánimo creciente que avanza hacia la catástrofe... Hacia el miedo ontológico de lo que el ser humano es capaz de hacer. Porque estos trazos gruesos van acompañados de frases contundentes, poéticas, breves o largas pero inapelables. El que se haya leído la obra disfrutará como un enano y, efectivamente, verá cómo Macbeth, el pusilánime marido, será capaz de asesinar al sueño azuzado por su señora, ésta sí ambiciosa y con los pantalones bien puestos. Que no podrá seguir viviendo porque ve cómo las peores profecías se cumplen y además está el estorbo de la conciencia... Pero el que no lo haya leído, cuchicheará mirando el reloj y no habrá trabajo escénico, ni música celestial, ni endriagos enviados del más allá para anunciárselo, que lo resuciten. Lo traigo a colación porque Jekill, que comento arriba, sí se deja entender sin haberlo leído, es más demorado, tiene otro tempo en que las alusiones cuajan y da tiempo al espectador para que se entere aunque sea vagamente; Macbeth no; Macbeth es un torbellino sangriento digno de Francis Bacon, con todas las vísceras del alma al aire, y eso hace que haya que llegar sabidos a la función.

Azar Teatro: Lidya 4ever. Escandalizó por su crudeza, por las imágenes tan explícitas que bien podrían enmarcarse en el materialismo de Antoine. Hizo falta un cineforum para calmar los ánimos y explicar las motivaciones, si es bueno mostrar lo descarnado, si es mejor aludir e insinuar... Era teatro para todos los públicos, había familias, menores... Por lo menos, crear polémica, la crearon y si perseguían que la gente hablara, habló. El grupo destaca precisamente por hacer obras en las que hay un fuerte componente de espiritualidad, un afán de trascendencia y de comunicarla, y eso es difícil de hacerlo comprender a través de escenas que casi hacen cerrar los ojos mientras se sigue mirando por una esquina... La solución para las víctimas de los horrores probados y mostrados en escena, tampoco gusta. ¿Es que en este mundo no hay que esperar nada limpio ni fiable?, se rebela el personal. Según la obra, parece que hay que esperar al otro para encontrar un poco de consuelo.

Rayuela: 20-Noviembre recrea con fuerza y pasión lo que pasa por el alma de un asesino en serie como los que últimamente abren los telediarios. Un chico tímido que vuelve años más tarde a la escuela donde se educó y la lía matando a los que puede. Que era un fracasado pero que ha demostrado en la preparación del crimen unas capacidades que ojalá hubiera usado para hacerse ingeniero electrónico. Y no digamos las justificaciones a lo que va a hacer, qué argumentos tan irrefutables y potentes, cualquiera los puede suscribir en sus cabales, Todo esto acompañado de una música preciosa con eslabones líricos que homenajean a Freddy Mercury (lo que sufre un chico de estos malos, mamá, mamá, si tú supieras que todo lo que me has dado me ha hecho más indefenso), los suicidios infantiles y juveniles de los que apenas se habla porque se contagian... Con todo y con toda la fuerza de la representación rockera, hip-hop y de las ideas expuestas y perfectamente formuladas, llega un momento en que uno dice: ¿Qué hacemos aquí si todo está dicho ya? ¿Por qué vuelve a empezar con argumentos que ya nos convencieron hace un rato? Le damos la razón pero nos tenemos que ir. Amén.

Gaudeamus. El Licenciado Vidriera, por La Chana teatro, presenta un único actor, con una técnica simple que con una mesa y unos cuantos objetos cotidianos, jugando hábilmente con sus características y hasta con su nombre (v.gr. damajuana), le bastan y sobran para ilustrar de un modo figurado lo que dice, y es capaz de hacer una verdadera obra de arte con un clásico como es esta obrita ejemplar de Cervantes. Para ello, hace falta un texto bien tratado, un guion donde no sobra ni una coma con las expresiones más genuinas puestas en valor y actualizadas hasta donde se puede, aprovechando lo que puedan tener de picante sin caer nunca en lo vulgar. A estos moldes, añádase su voz irónica y que a nadie se le escapa porque nadie quiere perderse ni un ápice de lo que dice, ya tienes la obra perfecta con los mínimos elementos. Curiosamente esta obra, tan sencilla en apariencia, compartía espacio en las Teresianas en días alternos con la otra joyita de la Feria, The baglady.

El contingente portugués merece ser tenido en cuenta como cada año por la creatividad y el oficio que revelan sus producciones, particularmente en el campo de lo infantil. Se nota detrás de estas piezas de apariencia sencilla una enorme dedicación y años de investigación.

Prometeu es una pieza ambiciosa del Teatro de formas animadas Lafontana que recrea el mito de Prometeo, el relato iniciático de la pérdida y posterior robo del fuego por parte del héroe Prometeo. Éste es uno de los mitos fundacionales que el teatro de figuras animadas convierte en metáfora de lo que es un creador teatral. para ello se inspira en la técnica de las marionetas de Indonesia del Teatro Wayang Kulit y se sirve de técnicas de video para grabar y proyectar las imágenes a lo largo del proceso creativo que así se muestra por entero en la representación. El héroe se rebela contra el destino del hombre y roba el fuego sagrado a los dioses para dárselo a los hombres, luego pagará las consecuencias, pero el destino del hombre ya no será el de un animal. El creador de este teatro actúa como un demiurgo, consciente del carácter sagrado de su obra y de lo que supone de ruptura de lo establecido, haciendo que la emoción de esa odisea prometeica llegue a la gente. El público, de todas las edades y formaciones, gustó muchísimo de este trabajo.

Los bailarines portugueses de la Compañía de Dança de Almada, ciudad que aprecia las artes escénicas y que goza de unos envidiables teatros y compañías, presentaron una danza para niños titulada Juegos de letras. Sí, todo lo que pueden dar de sí estas figuras que componen los signos del alfabeto, y con las que escribimos cartas, firmamos recibos y ahsta preparamos la sopa de letras, fue puesto en valor durante el encantador espectáculo. A ello puso fondo la música, algunas de cuyas piezas eran españolísimas, honor que nos hacen los almadienses. Con todo ello y su entusiasmo, dieron una verdadera lección de cómo iniciarse en el baile y hubo verdadero interés en los niños mirobrigenses de entre el público por salir al escenario y participar en los juegos dancísticos que se proponían. Los padres, venga fotos, viendo a sus retoños desenvolverse.

Companhia dos pés encantó a los bebés por la mañana con su Piki-Niko. La bailarina portuguesa Angelica/Caroline del espacio en rosa para bebés fue un verdadero triunfo de la sencillez y del saber hacer, ofreciendo una gran belleza y un gran cuidado y conocimiento de lo que es la sensibilidad de uno niño de meses. Los bebés que formaban el público estaban absortos, bien sobre cojines bien en brazos de sus mamás/abuelas, sin llorar ni pedir nada, casi sin respirar. Mirando al escenario de colores donde todo ocurría sin alteración, olvidados de todo, contemplaban en los movimientos de la bailarina cómo seguía los movimientos de un caracol, de un dragón, de una mariposa, todo en medio de una sinfonía de colores y de músicas que sin duda se convirtió para los niños en un momento inolvidable. Un jardín encantado donde todo, cualquier maravilla podía acontecer.

LAS 5 NOCHES DE LOS SITIOS

Noche del 21: Animales, con Juanra Bonet, es un monólogo televisivo que pega un repaso a la corrección política pero sabiendo muy bien de qué lado está; noches de 22 y 23: las dos funciones de clown de los días siguientes fueron los mayores éxitos y se puede decir que triunfaron. Y si no triunfaron, las hacía triunfar Daniel Ceballos, clown él mismo de Córdoba, formando parte del público con una risa contagiosa que no cesaba y a la que era imposible resistirse. Su mujer Mercedes, allí presente, puede negarme lo que digo, que no lo hará. Estas dos funciones gloriosas fueron Tête à tête a cargo de los italianos de Teatro necesario convenció y triunfó con sus enredos en la cocina y el baño donde 4 personajes pugnan por encontrarse y por perderse de vista, por convivir en una palabra en un habitáculo exiguo, y con el regalo de un concertino a puerta de calle, Cineclown 3D con Síndorme Clown hizo reír hasta a las piedras con sus torpezas fingidas que incluían un combate de boxeo con intercambio de dentaduras (ya se sabe, la crisis). Y para el último día (o noche) del 24, Tres en línea por parte de las extremeñas de la Cía Samarkanda Teatro, que arrebataron al público mirobrigense por la exhibición de miserias humanas en la vida de las gentes que se dedican a la farándula en Extremadura y que parecían verdad verdadera, he aquí el principal atractivo de estas dóminas: Su desgarro, recrudecido por la luz blanca y sin trampantojos que casi las desnudaba y nos desnudaba y el que parecían de verdad las migas extremeñas que contaban. ¡Pues está bueno el panorama! ¿Hay derecho a hacerle eso al público? He aquí la gran pregunta que se hacían ellas mismas, he ahí la gran ruptura de la cuarta pared y de los tabiques otorrinonasales. Pero triunfar, triunfaron. Lo de Carolina Coronado era un pretexto, ¿qué sacarán la próxima?, me puede la curiosidad, por sus bolos.

TEATRO DE CALLE

"75", por Fadunito. 4 "abuelos" 4, de ahí el título "75", con sus pelucas y sus gorras que, paseando incansables las calles de Ciudad Rodrigo, bien en las horas de canícula, bien a la caída de la tarde, hicieron con sus disputas, sus declaraciones de amor, sus enfados y sus posteriores reconciliaciones, las delicias de cuantos llenaban las calles. Ellos van subidos en zancos, que no están dispuestos a pasar inadvertidos. "total para lo que nos queda"... Así andamos todos, a liarla que nos van a dar lo mismo. Con sus pelucas no le tenían miedo al sol, ¿quién ha dicho que la vida se acaba a los 70? Una gran lección de energía y vitalidad y una gran oportunidad que nos aguarda, ahora que la tercera edad es mayoría en Europa.

La wondering orquesta, tres hombres y una mujer, todos de negro, más algunos voluntarios a los que obligaban por el camino, componen un pasacalles que se inicia con una ocupación ubicua y conspicua de los balcones de la Plaza, desde donde se anuncian con gritos y sonidos varios. Esto pone en valor el enorme escenario que es en sí Ciudad Rodrigo, para acabar bajando a pie de calle y llevarse a la gente como el flautista del cuento, por la Calle Madrid adelante, donde sigue cerrado el Teatro del mismo nombre, hacia la muralla. Para ello cuentan con diversos instrumentos de cuerda y un coche muy viejo pero que les saca de cualquier tumulto. Así juegan con ventaja y dejan a la gente con tres palmos cuando les parece, después de embriscarla en sus juegos.

ACTIVIDADES PARALELAS Y COMPLEMENTARIAS DE ESTA 15ª FERIA DE TEATRO 2012

EL primer día de la Feria se completó con la inauguración de la exposición «15 x 15», una retrospectiva fotográfica que repasa las ediciones precedentes del certamen. La muestra, que podrá visitarse durante la Feria en el Patio Noble del Palacio de los Águila, reúne quince fotografías de gran formato de cada una de las ferias salidas del laboratorio fotogrñafico Vicente, así como la historia y su evolución.

En el marco de actividades complementarias de la XV Feria de Teatro de Castilla y León, la entrega de galardones de la primera edición de los Premios ROSA MARÍA GARCÍA CANO se llevó a cabo hoy miércoles, 22 de agosto, a las 14.15 horas en el Palacio de Montarco. Es éste un espacio maravilloso donde todos los días teníamos los asistentes a las 14'30 el vermú teatral, al que se añadían durante un cuarto de hora algunas actividades que buscan hueco en el ajetreo de los 5 días de Feria:

Estos fueron los galardonados en los primeros Premios Rosa María Cano:

En primer lugar, el Jurado ha querido reconocer a la Asociación TE VEO, TEATRO PARA NIÑOS/AS Y JÓVENES, creada en 1996 y formada por 44 compañías de todo el estado.

En segundo lugar, el jurado ha querido reconocer los méritos profesionales que acreditan la candidatura de Pau Llacuna como Director Ejecutivo de la Fira de Teatre al Carrer de Tàrrega y como Presidente de COFAE,

Ex aequo recibieron el premio la REVISTA ARTEZ y TITIRIMUNDI: La primera por su dedicación a la difusión y puesta en valor de las Artes Escénicas; los segundos, por su esfuerzo y constancia en la promoción y la difusión de todas las modalidades y formas que configuran el teatro de títeres actual, desde los géneros tradicionales hasta las formas contemporáneas que por su extensa variedad y eclecticismo. Desde 1985 hasta 2012, a lo largo de 27 años se han celebrado 26 ediciones del festival y Titirimundi se ha consolidado como una cita de referencia donde se favorece la comunicación cultural fomentando así mismo las relaciones interculturales con otras naciones. El jurado reconoce que el Festival es un trampolín promocional y un escaparate privilegiado para conocer la actualidad y el pasado de los títeres y un foro internacional destinado a proyectar y prestigiar las artes relacionadas con el teatro de títeres, así cómo destaca que éste festival propicia el conocimiento mutuo de la pluralidad y la riqueza de los patrimonios culturales universales.

ÚLTIMO DÍA DE FERIA ANTES DEL BAILE VERMÚ: PREMIOS DEL PÚBLICO DE CIUDAD RODRIGO

Como cada año a año, el último día de Feria se entregan los premios a los mejores espectáculos de la edición anterior. Estos galardones los concede la Asociación de Amigos del Teatro de Ciudad Rodrigo, quienes, una vez finalizan todas las obras, deben depositar su papeleta de votación en el buzón de la Feria de Teatro en el Palacio de Los Águila. De manera que estos premios corresponden a la Feria de 2011.

El acto se realizó en el Palacio de Montarco, antes del último vermú teatral, que contó como siempre con la asistencia de miembros de la Asociación de Amigos del Teatro de Ciudad Rodrigo.

La entrega de galardones se iniciaba: Debido a que la compañía catalana Efimer no pudo desplazarse a recoger su premio (que consiste en una pequeña a elaborada por Fernando Fonticoba) al Mejor Espectáculo de Calle por Pianista del agua, los primeros en recibir el suyo fueron la compañía burgalesa Teatro La Sonrisa, que se ha hecho con el premio al Mejor Espectáculo Infantil por Smile. El galardón les fue entregado por la socia número 15 de la Asociación, la niña Alba Paniagua. El representante de esta compañía dedicó el premio a todos los compañeros que han colaborado en los 25 años de trayectoria de Teatro La Sonrisa.

En la tercera categoría, la de Mejor Espectáculo de Sala se produjo un empate (algo que nunca había ocurrido desde que se empezaron a entregar los premios en 2004). Por un lado, recibió su galardón la compañía portuguesa Quorum Ballet, por su espectáculo Correr o fado; y por otro y último lado, el actor José Antonio Sayagués fue el encargado de entregar el premio a la compañía andaluza Caramala, por su obra Caramelo. La representante de la compañía agradeció el premio y añadió que espera que “los premios se traduzcan en bolos”, comentario que se llevó una gran ovación por parte de los asistentes.

Y todavía faltaba la noche con un concierto exitoso por parte de un grupo de Barcelona muy amado de Rosa que le dedicaron a ella, D’Callaos. Ya era media noche y había que callarse. Además estábamos en la Plaza de Cristóbal de Castillejo, delante de la obra del Obispo Téllez que ahora es una Residencia de ancianos. Todos siguieron el concierto en primera fila.

Nunci de León

Oscura teatre, en la Sala Muntaner de Barcelona con La indiferencia de los armadillos

Oscura teatre estará en la Sala Muntaner de Barcelona el jueves 13 de septiembre a las 21h (hasta el 7 de octubre) con La indiferencia de los armadillos de Abel Zamora dirigida por Sergio Caballero y con interpretación de Sergio Caballero, María Maroto, Paco Trenzano y Abel Zamora.

El espectáculo fue premiado en la XV Mostra de Teatre de Barcelona y con otros premios en Valencia en diversas categorías. Recibiendo muy buena acogida por parte de la crítica, del público y de la profesión.

XIX Premios de las Artes Escénicas Valencianas: Mejor Espectáculo - Mejor Texto - Mejor Actor de Reparto (Abel Zamora) - Nominación Mejor Escenografía (Joan Miquel Reig) - Nominación Mejor Actor de Reparto (Sergio Caballero)

XV Mostra de Teatre de Barcelona: Mejor Actor (Abel Zamora)- Nominación Mejor Espectáculo

Premios AAPV 2010: (Actors i Actrius Professionals Valencians)- Nominación Actor Revelación - Premi Crisàlide (Abel Zamora)

La indiferencia de los armadillos es una obra dramática de corte intimista, que roza la tragedia, donde cuatro personajes están destinados al abismo de la soledad; se relacionan por los antros más oscuros de una ciudad asumiendo el rol de unos mamíferos acorazados de cuerpo muy pequeño que mueren solos en la carretera: los armadillos. Bajo su caparazón tienen una piel muy sensible. No tienen gusto ni tienen vista y solo salen por las noches para ir al ataque de sus presas.

Contacto: oscurateatre@gmail.com - 619 71 63 68 – 636 75 55 44 - www.osccurateatre.es

SIE7E, de ymedioteatro, sigue recorriendo Europa

En los últimos meses ymedioteatro continúa sumando miles de kilómetros por las carreteras de Europa para llevar su última producción “SIE7E”.Festivales de Noruega, Alemania o Suiza ya han tenido en su programación esta innovadora propuesta escénica que en el mes de septiembre llegará hasta Bulgaria y Dinamarca.

“SIE7E” es un microteatro de sie7e metros cuadrados con aforo para 15 espectadores que disfrutarán de sorprendentes microespectáculos, de 10 minutos de duración, basados en la manipulación de objetos cotidianos que cobran vida mágicamente. Diferentes formas y nuevos formatos para seguir contando historias.

Más de diez mil kilómetros para una gira que empezará en el festival “La posada de los Títeres” de Cazalla de la Sierra (Sevilla) el día 1 de septiembre. El siguiente destino será el festival “Titirideza” de Lalín (Pontevedra) el día 2. Tres días después la compañía habrá llegado hasta Plovdiv (Bulgaria) donde presentará, desde el día 6 hasta el 8, su espectáculo en el 20th International Puppet Theatre Festival “Three are too many – Two, not enough”. Unos miles de kilómetros más tarde ymedioteatro será la compañía internacional invitada en el Horsens Theater Festival 2012 de Horsens (Dinamarca) durante los días 14, 15 y 16.

Finalmente, y ya de vuelta en España, los jiennenses completarán su gira en el festival MAC'12 (Mercé Arts de Carrer) que se celebrará entre los días 21 y 24 de septiembre en Barcelona.

Más información: www.ymedioteatro.com .- contacto@ymedioteatro.com Teléfonos: 953.77.68.19 / 608.81.69.66

Gardi Hutter, una de las mejores payasas de Europa, abrirá la 23ª Mostra Internacional de Mim con una clase magistral

Bajo el lema “One man show / one women show”, la Mostra Internacional de Mim de Sueca (Valencia – España), programada del 12 al 16 de septiembre, inaugurará su 23ª edición con una clase magistral de la prestigiosa clown suiza Gardi Hutter.

Fiel a su espíritu de conjugar la exhibición de espectáculos de teatro gestual y mimo con la formación y la pedagogía, la Mostra Internacional de Mim a Sueca (MIM) abrirá sus puertas el próximo miércoles 12 de septiembre con una clase magistral a cargo de la actriz, payasa y directora suiza Gardi Hutter. Bajo el título Ser simple es complicado, Hutter disertará -y actuará para ilustrar su teoría- sobre el clown, la creación contemporánea y la importancia del gesto como elemento de comunicación internacional y sin barreras.

Como en su día hicieron el coreógrafo e intérprete Ramón Oller, el actor Sergi López, el maestro Jacques Lecoq o el director Eugenio Barba, Hutter dará el pistoletazo de salida al festival valenciano con una clase magistral. “Un auténtico lujo artístico” en palabras de Abel Guarinos, director del MIM, quien señala que “con cerca de cuatro décadas de carrera artística, Hutter ha conseguido con su arte, sátira y comedia ser la clown suiza más galardonada del mundo y una de las más apreciadas y aplaudidas de Europa”.

“One man show / one women show”

La personalidad –o unipersonalidad– de la creación artística articula este año la programación del MIM 2012 bajo el leit motiv “One man show / one women show” en la dualidad que puede presentar el lema. Por una parte, explica Guarinos, “se trata de trabajos unipersonales, con el actor-autor solo en el escenario y, por otra, se podrá disfrutar de espectáculos concebidos por un único creativo que marca a su vez su propia compañía con un estilo y huella inconfundible”.

Respecto a los montajes en los que un único artista poblará el escenario, Gardi Hutter estrenará en la Comunidad Valenciana Jeanne d’ArpPó y el célebre mimo italiano Paolo Nani, afincado en Dinamarca, representará su ya clásica La carta. Ambos compartirán cartel con actores mucho más jóvenes como Josu Bilbao, de la compañía vasca Teatro Salitre y su Amor ciego. Por su parte, y como reflejo del creativo que configura todo un singular proyecto artístico bajo su nombre, el MIM presenta por primera vez en nuestra geografía Voyageurs immobiles, de la Compagnie du Philippe Genty, reconocido director francés que le ha conferido a su compañía un estilo único en todo el mundo en el que el teatro de objetos y el teatro gestual se funden en una sola propuesta. Dentro de esta línea, el público podrá ver también Tam Tam, la última creación de los jóvenes de Maduixa Teatre, que no son, ni más ni menos, que la realización en colectivo de un proyecto personal y brillante del todavía más joven Joan Santacreu, de quién todavía recordamos sus anteriores espectáculos Ras! y Consonant. Junto a éstos, la programación del MIM ofrecerá también, entre otros, el espectáculo Judit & Paul, recientemente estrenado por Visitants, la última apuesta por un teatro de calle y con contenido del director Tomàs Ibáñez; el trabajo Remor, creado para un espacio escénico insólito y no convencional del también insólito capitán de Res de Res, el mallorquín Biel Jordà.

La Mostra Internacional de Mim está organizada y patrocinada por la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Sueca, Teatres de la Generalitat Valenciana y Fundación Bancaja, y cuenta con el apoyo y subvención del INAEM-Ministerio de Cultura, SARC-Diputació de València y de otras empresas e instituciones como Air France y la Embajada de Francia en España e, incluso, empresas y asociaciones locales (Ca Senseloni, Fustes Bonet, Xocolates Comes, Aluminios Llorens, Pinder MyM, Associació de Serveis i Comerç Arrima’t i la Associació Cultural Lluna Plena Teatre) con las que se sustentan otros servicios básicos de infraestructura del festival.

Nancy Fabiola Herrera volverá a ser Charlotte, de Werther

Nancy Fabiola Herrera © Fidelio Artist - OUTUMURO

Tras un verano con una agenda plena de actividades, Nancy Fabiola Herrera regresará en septiembre al personaje de Charlotte, de la ópera Werther, de Massenet. Lo hará en la Ópera de Oviedo, en su regreso al Teatro Campoamor y junto al tenor José Bros, en una producción del Théâtre Royal de La Monnaie de Bruselas cuya dirección de escena firma Guy Joosten, con la Sinfónica del Principado de Asturias a cargo de Yves Abel. “Ya había interpretado esta ópera en Las Palmas de Gran Canaria, hace algunas temporadas, y volver a hacerlo ahora me ilusiona especialmente puesto que el personaje me encanta y mi voz se acomoda a la partitura como un guante, más sabiendo que será junto a un maravilloso colega como es José-”, comenta la mezzo canaria.

Ya en agosto y de cara al inicio de la temporada que celebra en todo el mundo el Año Verdi -en el bicentenario del nacimiento del compositor italiano-, Nancy Fabiola Herrera volverá a interpretar su aplaudida Magdalena de Rigoletto (día 12) en el Los Ángeles Hollywood Bowl dirigida por Gustavo Dudamel y junto a la Los Ángeles Philharmonic. Más tarde (día 25) interpretará La vida breve, de Falla, bajo la batuta del maestro Frühbeck de Burgos en el Boston Symphony Festival Tanglewood. Para finalizar el verano, en septiembre, inaugurará la temporada 2012-13 de la Ópera de Oviedo con el comentado título de Massenet con cuatro funciones (11, 14, 17 y 20 de septiembre).

Comunicado del Cercle de Cultura de Cataluña ante el aumento del IVA cultural al 21%

El Cercle de Cultura quiere manifestar su profunda preocupación por la subida del IVA reducido, que ha protegido la cultura en España. Preocupación, doblada de indignación al considerar el trato que la cultura recibe en los últimos presupuestos públicos, que responde a la carencia de voluntad política para ubicarla en el epicentro del debate social.

Desde el Cercle de Cultura se constata la unanimidad de la reacción social contraria al aumento, y se insta en el Parlamento de Cataluña a tomar una resolución reprobatoria de esta medida, a la Generalitat de Cataluña a exigir una rectificación por parte del Gobierno de España, y a los partidos políticos catalanes con representación en el Congreso de los Diputados y al Senado a manifestar la disconformidad del sector cultural y a denunciar el agravio que supone para los ciudadanos (catalanes, españoles y europeos) un trato de tan grave discriminación.

Finalmente, el Cercle de Cultura insta a la sociedad y a las instituciones porque, en caso de que el Gobierno de España no rectifique, se pida el amparo a la Comisión y a otras instancias europeas.

Contacto: gramon@cercledecultura.org

LA AGENCIA ANDALUZA DE INSTITUCIONES CULTURALES ANUNCIA LA SUSPENSIÓN TEMPORAL DEL CIRCUITO ANDALUZ DE TEATRO Y DEL CIRCUITO ABECEDARIA

La Agencia Andaluza de Instituciones Culturales ha comunicado hoy [25 de julio 2012] la noticia de la suspensión temporal del Circuito Andaluz de Teatro (CAT) y el Circuito ABECEDARIA por falta de recursos económicos durante el año 2012 y el primer trimestre del año 2013.

Este comunicado supone otro importante varapalo para la delicada situación de las Artes Escénicas en Andalucía pues quedan suspendidas las representaciones ya pactadas entre los distintos municipios y la Agencia, y, por ende, con las empresas de artes escénicas que habían sido seleccionadas y que tenían funciones cerradas en sus agendas, para el segundo semestre del año 2012 y primer trimestre del año 2013.

Si el incremento del IVA en las entradas ya nos hacía esperar un más que previsible descenso de público asistente a los espacios escénicos, la noticia de la retirada de estos programas no hace sino empujar a las compañías productoras un paso más en el camino hacia la desaparición de sus estructuras tal y como las conocemos, con la consiguiente pérdida de puestos de trabajo para el sector.

Pero la suspensión de estos circuitos afecta directamente no sólo a las empresas andaluzas, con compromisos firmes de actuaciones, y en algunos casos con contratos ya firmados, sino también a los municipios integrantes de los mismos, que solo con el apoyo de este programa podían sostener parte de sus programaciones.

No olvidemos tampoco que este anuncio no ha hecho sino acrecentar el temor en las compañías que aún sufren el impago de muchas de las funciones ya realizadas hasta la fecha en que se realiza este anuncio y que ven aún más lejana la posibilidad de efectuar su cobro.

En definitiva, el incierto futuro del Circuito Andaluz de Teatro y de ABECEDARIA hace que la actividad de las compañías de artes escénicas en Andalucía en los próximos meses se prevea, cada vez con más seguridad, precaria y de pura supervivencia.

Un día triste para toda la cultura andaluza y para todas las Artes Escénicas.

Ángel Calvente - Presidente de Acta (ASOCIACIÓN DE EMPRESAS DE ARTES ESCÉNICAS DE ANDALUCÍA)

Balance I Festival de Títeres de las Merindades

Juan Esteban Ruiz Cuenca, presidente del CEDER [Centro de Desarrollo Rural] Merindades afirma que "el éxito en el seguimiento y participación del público en el I Festival de Títeres de Las Merindades ha dado la razón a la Junta Directiva que en una situación difícil para los ayuntamientos como la actual ha apostado por una propuesta cultural novedosa e impactante dirigida a los/as más pequeños/as".

Tras las últimas representaciones el domingo día 15 fr julio por la tarde, se ha puesto punto final al Primer Festival de Títeres de las Merindades en los que han participado las compañías Rocamora Teatre –Cataluña-, La Pícara Locuela –Castilla y León-, La Gotera de Lazotea –Andalucía-, Panta Rhei –Euskadi- y Alauda Teatro –Castilla y León-, actuando en Espinosa de los Monteros, Medina de Pomar, Quincoces de Yuso, Quintana Martín Galíndez, Soncillo, Trespaderne, Villarcayo y Villasana de Mena. El número de asistentes a las treinta actuaciones ha sido cercano a las 8.000 personas, habiendo representaciones que han llegado a superar la cifra de los 400 espectadores, lo que sin duda alguna es un resultado más que reseñable.

Desde el CEDER Merindades, se valora muy positivamente el trabajo en la Dirección Técnica del Festival y que ha llevado a cabo la compañía Alauda Teatro, "una compañía de las Merindades, con gran experiencia y que ha respondido sobradamente a las expectativas que desde el Centro de Desarrollo Rural se pusieron de cara a la realización de este Festival en la comarca, atesorando su participación en numerosos Festivales Nacionales e Internacionales así como contando con su dilatada labor pedagógico-teatral y los premios recibidos que avalan su currículo", como señala Ruiz Cuenca. Nos felicitamos porque todas las representaciones se han realizado sin contratiempos y con un clima excelente que no ha obligado a suspender ninguna de las actuaciones. Destacando la sorprendente respuesta del público a los actos y la satisfacción de las compañías participantes, todas ellas de destacado nivel, por las muestras de agrado recibidas de parte del público asistente. Queremos agradecer también el apoyo de todos los ayuntamientos de las Merindades, por la difusión del evento, y, especialmente, a las sedes que han acogido este año las funciones formando parte de su programa cultural, así como a los niños que participaron en el concurso de dibujo que dio lugar al tema del cartel y programas de mano, cuyos premiados recogieron una marioneta de regalo y un diploma de agradecimiento de manos de Juan Esteban Cuenca, en un acto previo a una de las representaciones de su municipio.

La gran acogida y la excelente repercusión que entre los asistentes ha tenido el I Festival de Títeres de Las Merindades, nos ilusionan en la expectativa de la celebración de una próxima edición en 2013 en la que nos encantaría seguir contando con la colaboración de todos los municipios y la complicidad del público de Las Merindades.

Contacto: festivalmerindades@alaudateatro.com

Londres. Capital del teatro mundial, con permiso de Nueva York

Por Juan Carlos Rubio

Dos meses por delante para ver espectáculos. Mucha tela. Nada más llegar, me compro la revista TIME OUT (su Guía del ocio, vaya) e intento aclararme ante el desproporcionado despliegue de oferta: dramas, comedias, musicales, teatro en el West End, teatro off, teatro off off ¡teatro por todos lados! "Calma, tienes tiempo" me cuento a mí mismo" (yo hablo mucho conmigo mismo, por ahora no en voz alta, cosa que me tranquiliza).

Empiezo por los musicales. Mi próximo estreno será de ese género y quiero comprobar de nuevo lo bien que lo hacen aquí. Muchos ya los he visto (Los Miserables, El fantasma de la Ópera, Mamma Mía, El Rey León...) así que me voy a por las novedades. Dos me apetecen especialmente: Cantando bajo la lluvia (basado en la película del mismo título) y Matida (que toma como libreto un cuento infantil del gran Roald Dalh). Además esta último es una producción de la Royal Shakespeare Company y eso suele ser una garantía.

Día lluvioso cuando voy a Cantando bajo la lluvia en el Palace. Muy apropiado. Bueno, al menos dentro del teatro estaré al resguardo de la meteorología ¡Me equivoco! En escena llueve. Y hasta dos veces. Y el agua salpica generosamente el patio de butacas. Maravilloso espectáculo. Impecable el reparto (Adam Cooper, Daniel Crossley, Scarlet Strallen en los respectivos roles que inmortalizaron en cine Gene Kelly, Donald O´Connor y Debbie Reynolds) y unas canciones que todos conocemos (Good morning, Make´em laugh y por supuesto la legendaria Singin in the rain). Un despliegue de talento y de precisión. Y por supuesto, el teatro hasta la bandera (este último detalle no lo repetiré más porque será una constante en todas las obras a las que he asistido).

Día soleado (cosa rara) para Matilda en el Cambridge Theatre. Un cuento de niños con una mala leche que te deja con la boca abierta. Y unos niños en escena que te dejan con la boca aún más abierta con su capacidad para cantar, bailar y actuar ¿seguro que eran niños? Para mí que los británicos han descubierto la fórmula para detener el envejecimiento y este reparto son actores y actrices de por lo menos 50 años. Asombroso. Me emocionan varias veces. Y no solo los más pequeños. Bertie Carvel, en el papel de Miss Trunchbull, hace una creación antológica. Ganadora de siete premios Oliver. Merecidísimos.

Tanto infante en escena conmueve mi fallida paternidad y decido volver a ver Billy Elliot (por tercera vez). No hay duda. No son niños, son enanos. Lloro, río, aplaudo este increíble musical con música de Elton John, texto de Lee Hall y la dirección de Stephen Daldry (responsable de la película del mismo título) y que lleva ya ocho años en cartel. Y lo que le queda.

Hago un repaso rápido por algunos otros musicales a los que asisto para que esta crónica no sea eterna: Hermanos de sangre (texto y canciones de Willy Rusell, pequeño pero emotivo) Una rubia muy legal (basado en la película, una tontuna muy graciosa) y Shrek (entretenido y gamberro).

Y paso al teatro de palabra (vamos, ese en el que no se canta...). Veo que Cate Blanchett está en el Barbican con Grande y pequeño (Gross und Klein) una obra del alemán Otto Strauss ¡Amo a Cate Blanchett! Corro a por las entradas. Dios mío, cien euros cada una ¿Amo tanto a Catte? Mejor no lo pienso y la compro. Me va a salir a un euro el minuto de representación, no pienso ni parpadear. Me equivoco. Me sale a mucho menos, ya que la obra dura ¡Tres horas! Y no parpadeo, porque si lo hago igual me quedo dormido. Y estando en primera fila puede ser un poco feo para Cate. Ella es deslumbrante, guapa a rabiar, una voz maravillosa y una actriz excelente. Pero francamente, es un texto que no sé de qué va: una mujer a la que le van pasando cosas a cada cual más absurdas y va en busca de vete tú a saber qué. Está bien, lo reconozco, el teatro surrealista (si es que esto se puede calificar así) no me va mucho. Pero me alegro de haber ido, sobre todo porque después de la obra hay un coloquio con la compañía australiana y ellos reconocen que tampoco saben de qué va la obra que interpretan. Qué alivio. No soy yo solo.

Otra estrella cinematográfica, Greta Scacchi, acompañada de Anita Dobson, más conocida por sus trabajos en televisión, encarnan respectivamente a Bette Davis y a Joan Crawdford en Bette y Joan, de Anton Burge. Según la crítica de The Times es "Divertida e incisiva" pero hago mutis por el foro en el descanso. No me interesa demasiado. Y como voy a una matinal aún puedo aprovechar para tomar un poco de sol. Pero no, se nubla, vaya por Dios.

En la cartelera londinense otras rutilantes estrellas: Simon Callow con Being Shakespeare, David Suchet y Lauri Metcalf con Largo viaje hacía la noche, Danny de Vitto con The Sunshine Boys... No, no me dejo tentar por el famoseo y decido visitar algunos teatros más pequeños y ver obras de autores ingleses con actores menos conocidos.

Cerca de casa (vivo en Hammersmith) está el Bush Theatre, salita de unas 150 butacas muy agradable. En cartel Chalet Lines de Lee Mattinson. Interesante la historia de estas mujeres, unidas por vínculos familiares y desunidas por sus personalidades. O eso me parece a mí, porque los personajes hablan con un marcado acento del norte que me hace perder buena parte de los diálogos. A pesar de ello, estupendas interpretaciones.

También cerca de casa están los Riverside Studios, tres salas de teatro, cines, restaurantes y librería teatral. Un sitio para entrar y no salir en una semana. Veo Mary Rose, una obrita gótica de J.M. Barrie, el autor de Peter Pan. Mejores intenciones que resultados. Y por primera (y única vez) más actores en escena (16) que espectadores (14). Los cuento, lo juro.

Me voy al Albany, un teatro en la otra punta de Londres (algo en la otra punta de Londres es muy lejos, creedme). Allí presencio dos espectáculos con un toque vanguardista: Wasted, de la joven autora Kate Tempest (montaje que saltó a una sala más grande a los pocos días) y Shadow boxing. La primera sobre tres jóvenes que no saben qué hacer con su vida y la segunda un monólogo de un boxeador atormentado por su homosexualidad.

Visito el National Theatre, lugar maravilloso no por su continente (qué edificio más feo) pero sí por su contenido. En escena obras de autores contemporáneos britanicos. ¡Qué nervios! ¿Qué ver? Ninguna. Me compro los textos en su increíble librería y me los leeré tranquilamente en alguno de los fabulosos parques de la ciudad. Ah, pero si sigue lloviendo. Me los leeré en casa, qué remedio.

One man, two guvnors, la versión de Richard Bean sobre el texto de Goldoni Arlequino, servidor de dos amos, abarrota el Royal Haymarket desde hace dos años. Ahora la compañía original se ha ido a Broadway, así que me conformo con la suplente. Estupendos. El público se muere de risa. Yo me río menos, porque la comedia del arte no me va mucho (lo siento) pero a pesar de ello tengo la sensación de que estoy viendo un fantástico espectáculo.

¡Necesito de nuevo un poco de música! Reponen Te quiero, eres perfecto, ya te cambiaré. Pero no es una compañía profesional, es amateur. Siento curiosidad por ver algo así. Y voy al Bridewell Theatre. Y alucino ¡Como cantan! Con aficionados así, mejor me retiro. Me paso a ver también La cosa más increíble, un espectáculo de danza coreografiado por Javier de Frutos y con música de los Pet Shop Boys. Curioso. Como también lo es un musical basado en una novela que Dickens nunca terminó, El misterio de Edwin Drood. Todo muy inglés, muy victoriano y pelín sobreactuado para mi gusto. Más música. En la English National Ópera reponen Madama Butterfly dirigida por Anthony Minghella ¿por qué no? Bonita, pero un poco distante (literalmente distante, solo quedaban entradas para el gallinero). Para rematar el arrebato lírico decido asistir a La noche de las 1000 voces en el Royal Albert Hall. Desfile increíble de estrellas interpretando temas de los musicales más famosos.

¡Aleluya! El tiempo parece que mejora y en el Parque Caledonian están preparando un mega espectáculo al aire libre de título Babel, dirigido por Bill Mitchell, un señor especializado en montar obras en lugares insólitos. Mi amiga Teresa trabaja allí como actriz (junto a otras 500 personas. Han leído bien, 500) y me invita. Acepto, claro. Me sale gratis y tengo que recuperarme del gasto de la Blanchet. ¡Qué bonito parque! Muchas velas, mucha gente, mucha improvisación, mucho ruido... ¿Exactamente qué es esto? No me da tiempo a descubrirlo: se pone a llover. No, se pone a diluviar.

Y vamos a ir acabando, que lo bueno y breve... (lo de bueno va por la calidad de los espectáculos, no por mi crónica, que conste).

Queridos amigos ingleses: adoro su teatro, pero les aconsejo que lo hagan siempre en locales cerrados, se ahorraran sustos e inclemencias. Claro que, a ustedes les gusta tanto la lluvia que hasta consiguen que llueva a cantaros dentro de los teatros, ¿qué añadir? Amo su ciudad. Como cualquier aficionado del teatro. Nos vemos pronto, espero. Haga el tiempo que haga, lo juro.

Juan Carlos Rubio

Damas de la Historia presenta NOCTURNO DE LA REINA

La obra, NOCTURNO DE LA REINA, con un acompañamiento de violín plantea un encuentro entre Isabel la Católica y Juana, mal llamada "La Beltraneja", en el que ambos personajes se rinden cuentas.

Juana visita a Isabel en la antesala de su muerte y viajan gracias a la magia del teatro a momentos determinantes de su vida y su memoria. Momentos que se dibujan como un tablero de ajedrez, donde la injusticia la soledad, el amor o la traición son piezas clave.

Ambas fueron princesas nombradas herederas, que luchaban por su título en un clima político de conflicto de poderes donde personajes como Enrique IV, el arzobispo Carrillo o el marqués de Villena tejían sus intereses. Mientras una era coronada reina la otra era olvidada en el exilio.

La obra es por tanto un acercamiento a la historia del S. XV, desde un prisma actual.

Fecha y lugares de la próximas funciones:

Castillo de Valencia de Don Juan: 25 de agosto

Castillo de Belmonte: 6 de julio, 3 de agosto y 26 de agosto

Castillo de Zamora: 21 de julio y 18 de agosto

Castillo de Peñíscola: 13 de octubre

Festiva de Teatro de la Antigua MINA: 29 de julio

Más información en: www.damasdelahistoria.com

COMUNICADO ACTA / FAETEDA: Las artes escénicas ante la posible subida del IVA

Los últimos días los medios de comunicación del país se han hecho eco de la posibilidad de que el Gobierno de España pueda modificar al alza los tipos del IVA reducidos que afectan a determinados servicios y dentro de ellos los que actualmente rigen para el sector de las artes escénicas. Desde la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza de España (FAETEDA), que engloba al conjunto de empresas escénicas de las Comunidades Autónomas Españolas queremos expresar, ante esta eventualidad, nuestra más profunda preocupación ante un hecho que, sin duda, alteraría muy negativamente el frágil equilibrio de esta actividad cultural.

Ante esta posibilidad es imprescindible saber que:

El sector teatral español mueve anualmente una cifra cercana a los 250 millones de euros y da trabajo a unas 20.000 personas según la información que aportan los indicadores culturales elaborados por el Ministerio de Cultura.
Como consecuencia de la crisis, el consumo teatral ha entrado en una importante recesión, que afecta tanto al número de espectadores como al precio medio de las entradas y lógicamente a la viabilidad económica de las producciones escénicas.
Conjuntamente con el resto de sectores culturales, el teatro ha vivido importantes recortes presupuestarios públicos, tanto en lo que afecta a las ayudas a la producción como a la distribución, lo cual se añade a la terrible disminución de las programaciones municipales (-50%).

Cualquier modificación al alza del tipo de IVA que afecta al teatro supondrá inevitablemente:

Un incremento del precio de las entradas, circunstancia que dificultará la accesibilidad social al teatro, disminuirá el consumo y afectará directamente al número de trabajadores del sector.
Aumentar la distancia cultural con los países de nuestro entorno que, en general, protegen el arte y la cultura con tipos de IVA especialmente reducidos.
Reducir la calidad de la producción escénica nacional y con ello la de un sector que participa muy activamente en la creación de los elementos que ayudan a definir el concepto global de la marca España.

Y en cualquier caso señalamos con rotundidad que la cifra que podría llegar a recaudarse con un aumento del IVA siempre será inferior a las repercusiones negativas sobre el conjunto de la economía del sector.

La cultura española está viviendo momentos de extrema dificultad y somos perfectamente conscientes de que debemos hacer un esfuerzo solidario con el conjunto de la sociedad para superar el actual momento de crisis. Las empresas teatrales españolas ya están inmersas en un proceso de cambio lento pero inevitable, que exige una mayor profesionalización y una intensa solidez empresarial, por ello el sector ya asumió, en su momento, anteriores subidas del IVA sin que ello repercutiera directamente en las entradas. Cualquier modificación al alza alejará a los ciudadanos de los escenarios retrasando el proceso de homologación cultural que nuestro país ha realizado en los últimos decenios.

Por todo ello; para mantener el nivel de accesibilidad que nos permite tener más de 12 millones de espectadores al año, , para asemejarnos a los países de la Unión Europea y reafirmar el compromiso de nuestro país con la cultura, para no agravar los efectos de una crisis que nos obliga a una permanente reestructuración y para evitar el más que seguro cierre de empresas y teatros, expresamos nuestra más absoluta convicción de que la cultura en general y el teatro en particular deben tener la consideración de servicio público y con ello un IVA protegido que facilite la máxima cercanía de los ciudadanos españoles a las artes escénicas.

Daniel Martínez de Obregón

Presidente de FAETEDA - FEDERACIÓN ESTATAL DE ASOCIACIONES DE EMPRESAS DE TEATRO Y DANZA

T 93 309 79 00 / F 93 485 15 12 - dmartinez@faeteda.org

COMUNICADO DE VERTEBRO TEATRO, de Córdoba (España)

EL IMAE CENSURA A VÉRTEBRO TEATRO COINCIDIENDO CON EL ROTUNDO ÉXITO OBTENIDO EN LA BÚSQUEDA DE MECENAZGO A TRAVÉS DE VERKAMI

Desde Vértebro Teatro queremos hacer público lo ocurrido con el IMAE; una serie de sucesos que tuvieron como consecuencia la no programación en el Teatro Góngora dentro de la presente temporada teatral 2011-2012, junto a numerosas compañías cordobesas profesionales.

En una reunión realizada en la Sala Orive el jueves 24 de Noviembre a las 18:30h, donde se convocó a la mayoría de creadores cordobeses, representantes de la Concejalía de Cultura y del IMAE comunicaron que el recién inaugurado Teatro Góngora, concretamente su Sala Polifemo, de estructura polivalente, estaría dedicada a espectáculos de pequeño-mediano formato o que no tuviesen cabida en el Gran Teatro, entre otros. Además, las instituciones mostraron gran interés por los artistas y compañías locales que, debido a la actual situación político-económica, serían programados a lo largo de la temporada 2011-2012.

En mayo de 2011, comienzan las relaciones con el IMAE para la programación de Estudio para el amor, la muerte y la paciencia dentro de la temporada 2011-2012 del Teatro Góngora. La acogida por parte del entonces director gerente de este organismo y la jefa de programación es favorable. El 22 de mayo de 2011 se celebran elecciones municipales. El PP se alza con la mayoría absoluta. Tras un periodo de incertidumbre se designa el nuevo director gerente del IMAE, acorde al nuevo gobierno. A partir de este momento, las negociaciones siguen realizándose con la misma jefa de programación.

El 24 de abril de 2012, tras casi un año de relación, de reuniones y dificultades por parte del organismo, sin tiempo para reaccionar, recibimos la respuesta definitiva. Nuestro espectáculo no sería programado esta temporada, por claras razones de censura, es decir, no figuraríamos junto a las demás compañías cordobesas por ciertas imágenes, textos e ideas de la obra que, según el criterio del actual director gerente de dicho teatro público, “no son aptas para ser presenciadas por el público cordobés”, al cual se calificaba de “poco preparado y provinciano”, haciendo uso, en nuestra opinión, de una generalización indebida. Por otra parte, descalificaron nuestro trabajo al no evaluarlo desde un punto de vista artístico-objetivo; nos plantearon la posibilidad de incluirlo dentro de una sección especial en la programación titulada “ciclo X” o “sesión golfa”, algo con lo que estábamos radicalmente en desacuerdo, ya que reducía nuestro trabajo a mera pornografía, un ámbito al que, por supuesto, no pertenece. En definitiva, la respuesta por parte del actual director gerente fue que tenían que velar por unas ideas políticas que la coyuntura actual les exigía, obviando, desde nuestro punto de vista, todo criterio artístico, líneas de programación, responsabilidad como gestor cultural, etc…

Por último, la visión que nos hicieron llegar del público cordobés. Para nosotros el espectador es nuestro principal objetivo, es quien tiene la potestad para estimar si nuestro trabajo es interesante o no, si es honesto o no; y eso nos estimula para crecer como artistas. Desde el inicio de cualquier experiencia creativa, siempre tenemos presente favorecer al público y potenciar su diversidad; este merece nuestro mayor respeto porque es el receptor de nuestro trabajo y, como consecuencia, dicho trabajo no tendría sentido sin él. En cuanto a esto, queremos manifestar nuestra indignación por el concepto negativo que el IMAE nos ha transmitido de los espectadores en Córdoba, el cual consideramos erróneo. Es paradójico que el público apoye de manera unánime nuestro trabajo fuera y dentro de Córdoba (lleno total en las cuatro funciones realizadas de Estudio… en nuestra ciudad, y personas que todavía desean ver el espectáculo) y desde el IMAE se piense que no existe dicho público o que no está capacitado para recibir nuestro trabajo. Consideramos que esta idea constituye una falta de respeto hacia la ciudadanía cordobesa, a la que se priva de una diversidad cultural, y nos resulta un síntoma grave de lo que, en este sector, podría acontecer.

¿Realmente el público cordobés no está preparado para ver un espectáculo de Vértebro Teatro, cuando todos nuestros espectáculos se han estrenado en Córdoba, con rotundo éxito?

¿No hay diferentes públicos para diferentes propuestas?

¿Por qué se nos ningunea y a la vez se ningunea al público cordobés?

¿No debería abarcar un organismo público, como el IMAE, a todas las clases de públicos en Córdoba?

Desde aquí, y por todo lo citado anteriormente, manifestar nuestra más sincera tristeza por el injusto trato recibido por el IMAE, ya que consideramos que nuestro trabajo tiene todo el derecho a estar en la Sala Polifemo esta temporada, y nos apena que una compañía profesional que nace y elige Córdoba para desarrollar su trabajo artístico y así repercutir en la ciudad y su gente, tenga que verse en circunstancias tan desfavorables y sin el respaldo de dicha institución escénica. Por otra parte, desde nuestro más profundo pesar, en pos de la pluralidad en la oferta cultural y el respeto a todos los ciudadanos, y con el deseo de que lo ocurrido no siente precedente y trascienda en una cuestión universal, Vértebro ha creído conveniente y realmente necesario hacer público lo sucedido y compartirlo con todos los ciudadanos.

Atentamente, Vértebro Teatro - www.vertebro.es

Teatro gayarre (Pamplona) programación de verano, del 28 de junio al 20 de septiembre 2012

El estreno de las tres obras cortas ganadoras de I Certamen de textos teatrales sobre las Fiestas de San Fermín organizado por el Teatro Gayarre marcó el inicio el 28 de junio de la nueva temporada teatral VERANO 2012 que se extenderá hasta finales del mes de septiembre. Tricicle, Yllana, Arturo Fernández (que acaparará la cartelera sanferminera), María Adánez, Maribel Verdú o José María Pou son algunos de los nombres propios que exhibirán sus trabajos en el escenario del Teatro Gayarre. Una programación en la que también hay un hueco para nuevos proyectos locales con la presencia del trabajo más reciente de la compañía XXL Producciones, además de los ya citados estrenos de los tres títulos sanfermineros producidos por el propio Teatro Gayarre.

PROGRAMA DESDE EL 3 DE JULIO

Martes 3 y miércoles 4 de julio, 20 h.:

¡MUU! 2 Idea original y dirección: Yllana

Con Fidel Fernández, Juan Francisco Ramos, Antonio Pagudo y Luis Cao

El humor irreverente, satírico, gestual y sin palabras de Yllana regresa a los escenarios con '¡Muu 2!' , una revisión de su ópera primera, '¡Muu!', que allá por 1991 sentó las bases de toda sus obras. Humor sin envoltorios y sin contemplaciones, con una fuerte carga musical y onomatopéyica. En '¡Muu! 2' Yllana ofrece su versión más clown, es decir, más payasa. Es una sátira del mundo de la tauromaquia, del sentido del honor, del machismo, de la valentía, de la patria, de la fiesta nacional, del maltrato animal. Es la lucha del hombre contra la bestia, encarnada por un descomunal toro.

Del lunes 9 al domingo 13 de julio. 21 h.:

LOS HOMBRES NO MIENTEN - De Eric Assous - Dirección: Arturo Fernández

Con Arturo Fernández, Sonia Castelo, Carlos Manuel Díaz

¿La sinceridad es la base de la armonía conyugal?... ¿Seguro? ¿No es arriesgado tomar a la pareja por confidente? ¿No será condición primordial para la paz en las parejas que la confianza no se ponga a prueba? Los protagonistas quieren saber la verdad unos de otros.... y el espectador también querrá saber la verdad.... pero lo cierto es que ninguna verdad está exenta de peligro y ninguna mentira carece de consecuencias... Eric Assous, el autor de la obra, con su habitual maestría y elegancia juega con los personajes en esta divertida e inteligente comedia, no exenta de intriga, que ha obtenido en Paris el Premio Moliere 2010 a la mejor obra teatral.

Viernes 24 de agosto. 20 h.:

VEN, TE LO CUENTO POR EL CAMINO - Texto y dirección: Maite Redín

Con Pablo del Mundillo, Virginia Cervera, Nerea Bonito e Imanol Espinazo
Esta obra se desarrolla en el entorno del Camino de Santiago. Dos amigas con ganas de divertirse y olvidar, un fugitivo y un profesor de historia del arte que se ven obligados por las circunstancias a viajar juntos para terminar el Camino de Santiago. Se tendrán que enfrentar a viejas leyendas, brujas y diablos. La compañía advierte: “Si se quieren divertir… Vengan, se lo contamos por el camino”.

Un proyecto de XXL Producciones en colaboración con el Gobierno de Navarra

Viernes 31 de agosto. 20 h.:

LA ESCUELA DE LA DESOBEDIENCIA - Dramaturgia: Paco Bezerra (a partir de los textos 'L'École des filles' -anónimo- y 'Ragionamenti', de Pietro Aretino) - Dirección: Luis Luque

Con María Adánez y Cristina Marcos. Soprano: Rosa Miranda. Viola de gamba: Sofía Alegre.

¿Porqué la mujer no puede disfrutar plenamente su sexualidad sin rendir cuentas a nadie? ¿Quién inventó esas normas sociales y morales que supuestamente debemos seguir? Estas son algunas de las preguntas que recoge “La Escuela de la desobediencia”, una obra del Siglo de Oro que el dramaturgo Paco Bezerra ha conseguido llevar a escena de forma brillante.

La obra, protagonizada por dos grandes actrices como María Adánez y Cristina Marcos, narra la historia de una joven que antes de meterse a monja es instruida por su prima sobre los diferentes aspectos de la sexualidad femenina, lo que le hará replantearse su vida y las normas de su época.

Del miércoles 5 al domingo 9 de septiembre, 20 h.:

BITS - Guión y dirección: Tricicle

Con Joan Gracia, Paco Mir y Carles Sans

Un BIT es la unidad mínima de información. Un GAG es la unidad mínima de humor. Por lo tanto, un espectáculo de humor está lleno de BITS que transmiten GAGS a la velocidad de la luz. Asegura Tricicle que “toda esta explicación científica, avalada por varias universidades prestigiosísimas de muchos sitios diferentes, viene a decir que en nuestro espectáculo, con la excusa de que vivimos en un escenario digital que nos permite a golpe de clic cambiar de sketch, de personaje y de decorado cuando lo creamos más oportuno, haremos lo que nos de la gana, eso sí, siempre por el bien del espectáculo y siempre buscando la mayor tasa de DGM (Densidad de Gags por Minuto) posible”.

Jueves 20 de septiembre, 20 h.:

EL TIPO DE AL LADO - de Katarina Mazetti - Dirección: José María Pou

Con Maribel Verdú y Antonio Molero

¿Qué pinta una intelectual urbana en una granja? ¿Y un granjero de provincias en la ópera? La joven viuda Laura y el torpe granjero Pablo se sienten solos. Introvertida e intelectual ella. Rústico y franco él. Se conocen en el poco propicio marco de un cementerio visitando las tumbas de sus seres queridos. Una simple sonrisa hace saltar la chispa entre ellos. Pero la realidad cotidiana irrumpirá en su mundo para destacar, creando unas situaciones tan inverosímiles como divertidas, todas las diferencias que hay entre los dos. Un autentico tratado sobre las diferencias sociales y culturales entre los seres humanos.

DAVID BARBERO ESTRENÓ EN VARSOVIA SU OBRA SOBRE MARILYN

La obra teatral ‘La vida imposible de Marilyn’ (Marilyn zycie niemozlive) del escritor y periodista David Barbero se ha estrenado el pasado mayo de 2012 dentro de la actual temporada del teatro Druga Strefa de Varsovia.

La prensa de la capital polaca, en sus críticas teatrales, ha valorado el espectáculo como uno de los más representativos de la presente temporada. Además de destacar el enfoque novedoso de la personalidad de la actriz norteamericana, señalan la profundidad de los personajes creados de Marilyn y de su madre.

Los comentarios críticos son especialmente laudatorios con la interpretación de la actriz Dorota Kamiska, que encarna a la Gladis, la madre. Dorota es una profesional muy reconocida por su larga trayectoria en el teatro, el cine y la televisión polaca. El papel de Marilyn ha sido asumido por Alexandra Tomás, una de las actrices jóvenes emergentes en el panorama escénico de Varsovia. Asimismo, ha recibido unánimes alabanzas la dirección del montaje teatral de David Foulkes. Sylwester Biraga, que es a su vez el director artístico del Teatro Druga Strefa, ha sido el responsable de la escenografía y vestuario en esta puesta en escena. Ha permitido que la acción evolucione en la escena a lo largo de las décadas de su vida adulta de Marilyn Monroe y en sucesivos escenarios que se marcan con efectos de luces, para realizar transiciones muy rápidas. El texto ha sido traducido por Tubi Birden.

En una primera etapa, ‘La vida imposible de Marilyn’ se mantendrá en cartel en el teatro ‘Druga Strefa’ de Varsovia hasta en verano. Durante los meses de julio y agosto se interrumpirá esa exhibición. Las representaciones se retomarán en los meses de septiembre y octubre. Asimismo se está estudiando la posibilidad de una gira por otras ciudades polacas.

El texto de David Barbero, que ya recibió en su momento el premio nacional Calderón de la Barca aquí en España, ha sido seleccionado por este teatro polaco entre diversas propuestas internacionales con ocasión de celebrarse en la actualidad los cincuenta años de la muerte, en extrañas circunstancias, de la actriz norteamericana Marilyn Monroe.

El teatro ‘Druga Strefa’ de la capital polaca tiene un carácter independiente y está dirigido y gerencialmente por un equipo fijo de profesionales, lo que les permite actuar con una mayor autonomía y no tener ataduras administrativas.

IV Edición del Ciclo Noches en los Jardines de la Buhaira (Sevilla)

El arranque será el 21 de junio, Día de la Música, con un concierto al que seguirá al día siguiente el Carmina Burana de Carl Orff en la versión de la Compañía Lírica de Andalucía, un conjunto habitual de los veranos en este conjunto arquitectónico que data del siglo XII. Con gran presencia en los escenarios locales durante todo el año, la agrupación lírica ha escogido varios títulos de su repertorio para este ciclo: además de Carmina Burana, la compañía que dirige Vicente Benavente representará un espectáculo basado en las bandas sonoras de grandes joyas del cine, la zarzuela La del manojo de rosas, el StabatMater de Pergolesi y un recital de piezas magistrales de la ópera.

El teatro, como es habitual, suele tener una presencia escasa en las salas clásicas de la capital andaluza durante el verano, razón por la que se apuesta especialmente por este apartado.

La compañía Acteatro con sus montaje Las Troyanas abrirá el 23 y 24 de junio la programación teatral, su peculiar forma de llegar a escena uniendo obras pictóricas con interpretación y gran trabajo de sus 9 actores llenaran de magia el escenario del Palacio de la Buhaira.

Carmen, producción de Teatro Clásico de Sevilla, se podrá ver en el Palacio de la Buhaira (en Sevilla) -durante las dos primeras semanas de julio-"después de haber hecho gira por los principales festivales clásicos de España". Otro clásico de la escena sevillana, Viento Sur Teatro, propone su particular visión de El caballero de Olmedo, una revisitación a la obra de Lope de Vega que se podrá ver del 22 al 31 de agosto y los días 1 y 2 de septiembre.

El Gran Inquisidor de Excéntrica Producciones y Las Bragas de Caín Club, bajo la dirección de Alfonso Zurro, serán otras de las propuestas escénicas del proyecto al que por primera vez se une una propuesta de teatro de títeres, El fantasma de la ópera, la versión que de esta célebre novela ha hecho la compañía Tranfulla Teatro.

En el apartado musical confluyen viejos conocidos del ciclo como Javier Ruibal, la cantaora Rosario La Tremendita, la banda La Canalla, el Cuarteto Maravilla, Pepe Roca y su tributo al rock andaluz, la fadista Rosario Solano y el trío gaditano Glazz que presentará en Sevilla Cirqueelectric, melodías de diversas influencias vestidas con videoarte, danza, poesía.

Arrigorriaga despide con éxito una nueva edición de su Festival Internacional de Clowns y Payasos

Arrigorriaga ha vuelto a despedir con éxito una nueva edición de su Festival Internacional de Clowns y Payasos, la décimo séptima, revalidando la aceptación de ediciones precedentes al haber conseguido que el público asistente no solo haya acudido en gran número a cada una de las representaciones programadas sino que se ha convertido en parte activa de muchas de ellas. La fórmula para lograr la aceptación es relativamente sencilla, un programación acertada que toma el humor como punto de referencia y que se adereza de las más diversas disciplinas circenses.

La reducción de funciones, sin embargo, ha permitido la asistencia a todas ellas de forma continuada pero sin apuros horarios y han sido en torno al medio millar de espectadores de media los que se han dado cita en cada una de las diecisiete representaciones incluidas en la presente edición. Algunas de las actividades, como el Circ Menut reservado a los escolares o el espectáculo ‘Humanus Cómicus’ de Niño Costrini que llenó la plaza del Ayuntamiento con un público ganado en cada sketch, han superado con creces la media de asistencia.

El público que se ha acercado a presenciar los espectáculos, tanto desde la propia localidad como de otros puntos más distantes, ha disfrutado con un programa variado en cuanto a temáticas y ecléctico en cuanto a técnicas. Las obras exhibidas en Lonbo Aretoa para cerrar las dos primeras jornadas contaron con dos artistas consolidados desde hace tiempo, Toni Albà que ofreció con ‘Audiencia I-rreal’ un monólogo lleno de guiños en las vicisitudes de la monarquía, o Nola Rae, que se valió en ‘Exit Napoleón’ de la maestría que tiene del teatro gestual, único recurso del que se vale para mostrar una tragicómica gesta bélica. ‘La gran A... ventura (Historia de un payaso) de Marcel Gros, por su parte, se ha encargado de poner el broche de oro a la presente edición con la actuación ofrecida en el Polideportivo.

Esas instalaciones deportivas fueron también el marco para el espectáculo de PTV Clowns que supo ganarse a los espectadores más pequeños con una historia de payasos con Shakespeare como fondo, y de la creación de Ganso & Cía. que recurre al humor más gamberro para llegar de forma efectiva a públicos de todas las edades.

La plaza del Ayuntamiento y de Juan XXIII acogieron el resto de las representaciones con la climatología como gran aliado y ni las gotas de lluvia que cayeron durante la puesta en escena de ‘Cabaret Elegance’, que se vale del humor y de números de trapecio, malabares, mástil chino o monociclo, hicieron mella en un público entregado.

Otros recursos técnicos como la magia de la que se valieron Circ Hula para abrir el viernes el programa de espectáculos o Jam que ofreció una singular combinación de malabares a cargo de un fotógrafo de los de antaño han colmado las expectativas más exigentes. Las increíbles contorsiones presentadas por la compañía argentina Cronopia; una historia de marionetas a las que dan vida actores de carne y hueso que presentó Hortzmuga; las habilidades de pelotas y mazas que rodean las desavenencias de la pareja protagonistas de La Güasa; la combinación de un cuidado repertorio musical que aderezan con mucho movimiento y humor los británicos Bowjangles o el circo contemporáneo del que se nutre la propuesta de Lusco e Fusco, completaron una edición que concluye con una invitación para su próxima edición, la décimo octava.

LA AGONÍA DEL TEATRO PROFESIONAL ASTURIANO

Casi un centenar de miembros de la comunidad escénica asturiana quieren poner de manifiesto la situación de asfixia que viven el Teatro y la Danza Profesionales en su región, “atenazados –explican en su comunicado- por varias circunstancias que han ido tomando forma durante los últimos años y que ahora pasamos a enumerar”:

1. Drástica disminución de ayudas públicas a las empresas del sector (bajo gobiernos de uno y otro signo político).

2. Acusado descenso en las actuaciones programadas.

3. Brutal recorte de las inversiones previstas para el Circuito Asturiano de Teatro.

4. Impago de facturas (circunstancia ésta común con el resto de empresas y proveedores regionales).

5. Marcado intrusismo por parte del llamado “teatro amateur” (que goza de ingente apoyo a través de las administraciones públicas en detrimento del profesionalismo –llegando a suplantar a éste en la mayoría de los eventos escénicos).

Ante todo ello, solicitamos a los responsables políticos surgidos de las urnas, nuevos planteamientos en relación a nuestra problemática –teniendo en cuenta la exposición de los problemas susodichos-, siempre abiertos al diálogo, pues un yacimiento de empleo está en juego –así como la existencia de casi cuarenta empresas de Teatro Profesional.

La plataforma “Yo apoyo al Teatro Profesional Asturiano” ha sido creada recientemente en Facebook y a ella se suma cada día gran número de personas –relacionadas o no con el sector- que se hacen eco de esta dramática situación:

http://www.facebook.com/pages/Yo-apoyo-al-Teatro-Profesional-Asturiano/312489292147486

Para cualquier información añadida (tfnos.): 606442586 / 617416076

LAS SALAS Y TEATROS DE GESTIÓN PRIVADA DE SEVILLA REUNIDAS EN LA ASOCIACIÓN ESCENARIOS DE SEVILLA SE MOVILIZAN CONTRA LOS RECORTES DEL AYUNTAMIENTO A TEATROS, SALAS Y FESTIVALES PRIVADOS

Ante la decisión de no convocar las ayudas a la actividad de las salas de Artes escénicas para el año 2.011 y, tras las recientes declaraciones a los medios de comunicación por parte del Ayuntamiento de Sevilla, sin previo conocimiento por parte de salas y festivales privados, en los que especifica que el presupuesto destinado en el año 2012 a estas ayudas será de 50.000 euros y que la aportación de la administración local disminuye hasta un 50% en el caso de los festivales; la Asociación Escenarios de Sevilla, integrada por un total de ocho espacios de gestión privada de la ciudad (Teatro La Fundición, La Imperdible, Sala Cero Teatro, Endanza· Espacio Vivo, Teatro Salvador Távora, Sala Fli, Sala El Cachorro, Centro TNT), ha decidido movilizarse emprendiendo diversas acciones de protesta y sensibilización contra estos recortes. El acto celebrado esta mañana en el Teatro Duque- La Imperdible supone la decisión de hacer público su desacuerdo con las decisiones del Consistorio.

Directores de escena, actores, bailarines, gestores y profesionales del sector han acudido masivamente a la convocatoria contra los recortes propuestos por el Ayuntamiento. Antonio Dechent, Carlos Álvarez, Inma “La Bruja”, Sofía Aguilar, Alfonso Zurro, Juan Ruesga, Antonio Campos, Antonio Rodríguez Almodóvar, Javier Álvarez- Ossorio, Sergio Casado, Chus Cantero, Vicente Palacios, Gregor Acuña, Alex Peña, entre otros muchos, han querido sumarse a los directores de los espacios privados y a sus trabajadores allí presentes. José María Roca, presidente de Escenarios de Sevilla y director de La Imperdible, ha sido el encargado de abrir el acto rodeado de los otros directores de los espacios miembros de la asociación, Pedro Álvarez- Ossorio, Salvador Távora, Isabel Blanco, Maite Lozano y Ángel López Navas.

El pasado día 13 de marzo, los socios de Escenarios de Sevilla hicieron saber a la delegada de Cultura su total desacuerdo con estas decisiones mediante una carta remitida a la misma Mª del Mar Sánchez Estrella. “Claramente nos sentimos engañados y obviamente fuera de los planes y objetivos aireados en repetidas ocasiones por Vd. de apoyar a las estructuras estables de la ciudad que en las actuales circunstancias son las que mantienen el pulso cultural a base de esfuerzos” añadiendo que “Las salas privadas han convertido a esta ciudad en un referente a nivel nacional de una cultura comprometida con el ciudadano, con espectáculos y precios asequibles. Hemos creado una red y una oferta que según las estadísticas nos sitúan a la cabeza de las grandes ciudades españolas en oferta escénica a los ciudadanos. Por otra parte nuestras programaciones influyen notablemente en el tejido teatral sevillano (aproximadamente un 70% están conformadas por compañías y proyectos de producción sevillanos)” y solicitando “una reunión con Vd. a la mayor urgencia que en varias ocasiones hemos pedido. En el marco de esa reunión nos habría gustado enterarnos de su planteamiento económico y no por la prensa tal y como ha ocurrido”. A fecha de hoy, desde Cultura, no se han puesto en contacto con la Asociación, del mismo modo que tampoco recibieron una respuesta afirmativa por parte del Ayuntamiento a la carta enviada a Juan Ignacio Zoido el pasado 2 de noviembre con motivo de la no convocatoria de las ayudas para el 2011 en la que solicitaban un reunión para poder llegar a un acuerdo.

El pasado 15 de marzo todos los socios de Escenarios de Sevilla elaboraron un MANIFIESTO CONTRA LOS RECORTES DEL AYUNTAMIENTO DE SEVILLA A TEATROS, SALAS Y FESTIVALES PRIVADOS en el que expresan su deseo de seguir manteniendo un “modelo de ciudad con una oferta cultural plural y de calidad, comprometida con el ciudadano” al que las salas y teatros de gestión privada han contribuido con su trabajo diario a lo largo de todos estos años, añadiendo que “las salas privadas han convertido a esta ciudad en un referente a nivel nacional de una cultura comprometida con el ciudadano, con espectáculos y precios asequibles. Hemos creado una red y una oferta que según las estadísticas nos sitúan a la cabeza de las grandes ciudades españolas en oferta escénica a los ciudadanos”.

El manifiesto está disponible desde el pasado viernes 16 de marzo en la página de Escenarios de Sevilla (www.escenariosdesevilla.org) para que todo aquel que quiera pueda sumarse a ellos contra los recortes anunciados. Además, este escrito, ha estado disponible todo el fin de semana en las salas y teatros de gestión privada de la ciudad para que el público pudiera manifestar su apoyo. Las redes sociales también están sirviendo de ayuda en la movilización contra los recortes a través de la página de Facebook www.facebook.com/norecortesSVQ y el perfil de twitter @NOrecortesSVQ.

COMUNICADO DE LA Plataforma Festivales de iniciativa privada de Sevilla

Sevilla, 20/03/2012.- Tras la rueda de prensa realizada por parte de la delegada de Cultura en el Ayuntamiento de Sevilla, Dª Mª del Mar Sánchez, y las noticias aparecidas en distintos medios, desde la Plataforma de Festivales de Sevilla manifestamos:

La realidad y sensibilidad de los distintos proyectos que integran la Plataforma es distinta y, en ocasiones, divergente. Pero nos unen una serie de inquietudes y objetivos comunes, a partir de los cuales reaccionamos con un sentir generalizado de decepción, malestar y profunda preocupación no solo ante nuestros propios proyectos sino, fundamentalmente, ante el más que probable panorama cultural que se avecina en la ciudad de Sevilla.

Desde la Plataforma de Festivales hemos mantenido una negociación con el ICAS desde el comienzo de esta legislatura, de manera que hemos permanecido con un canal de comunicación abierto durante todos estos meses. Esta disposición al diálogo por parte del ICAS ha sido alabada por nuestra parte en múltiples ocasiones. Sin embargo, consideramos que un diálogo no es positivo per se, sino en función de los frutos que se obtienen de él. Además, la dilatación en las negociaciones (más de nueve meses hasta llegar a una decisión) ha entorpecido el funcionamiento de muchos programas culturales, cuando no los ha apoyado, pero sobre todo ha provocado, en líneas generales, una gran frustración e impotencia. Reiteramos: no todos los festivales partimos de las mismas necesidades y sensaciones, pero se trata de alcanzar una línea general de pensamiento y sensaciones en la que todos podemos situarnos.

No es necesario sentarse a “dialogar” si el fruto de ese diálogo da como resultado una situación aún más precaria de la que ya teníamos. Hubiera sido más práctico realizar hace meses el aséptico anuncio de recortes vivido hace unos días. Nos hemos sentado a la mesa, hemos expresado conjunta e individualmente nuestras necesidades e inquietudes, hemos sido escuchados, pero no se han valorado los proyectos en la medida de los resultados que producen. Y seguimos escuchando que la intención del Ayuntamiento de Sevilla es “reforzar” nuestros proyectos. ¿Cómo se refuerzan unos proyectos -cuyos presupuestos eran rentabilizados social y culturalmente al máximo- a partir de recortes extremos? Los festivales estamos acostumbrados a preocuparnos por la autoexplotación y a la precariedad y a aprovechar hasta el límite los pocos recursos con los que contamos. Actualmente también nos preocupa la continuidad de la cultura en Sevilla, tal y como la conocemos hasta ahora. Por ello queremos manifestar nuestra solidaridad con la Asociación de Escenario de Sevilla, cuyo manifiesto apoyamos desde la Plataforma de Festivales de Iniciativa Privada de la ciudad.

La famosa medida de la “bienalidad” nos parecía, desde el principio, un despropósito. Algunos de nuestros proyectos aceptaron adaptarse a ella, pero solamente como una fórmula de subsistencia, cuando no, directamente, como una vía para conseguir una prórroga en la que reflexionar sobre la viabilidad de nuestros proyectos en las condiciones presentes. Finalmente, el Ayuntamiento ha demostrado que el punto de partida (realizar nuestros proyectos cada dos años, pero doblando los recursos económicos, humanos y técnicos) también ha sido una forma de salir del paso.

Queremos dejar constancia de que nos enfrentamos a un grave problema de recursos, unos recursos que son vitales desde el punto de vista de nuestros proyectos, pero que son ridículos desde la perspectiva de una institución como el Ayuntamiento de Sevilla. La suma de nuestras necesidades apenas supondría un problema si la política cultural del consistorio priorizara proyectos que han enraizado, rentabilizado y demostrado una y mil veces su repercusión y utilidad para la ciudad. No atender estas necesidades, por tanto, supone la demostración de que no entramos en sus políticas culturales, de que no estamos en esas prioridades.

Podríamos hablar de puestos de trabajo, o del hecho de que todos nosotros buscamos y encontramos recursos en otras administraciones, entidades, instituciones y empresas, recursos que revierten en la ciudad a través de nuestros proyectos. La caída o disminución radical de actividad, en el caso de la iniciativa privada, supone un retroceso en la inversión económica en la ciudad de Sevilla, pérdida de puestos de trabajo, pérdidas para nuestros proveedores (empresas locales en su mayoría), erosión incalculable de la imagen y el atractivo cultural y turístico de la ciudad... Pero sobre todo supone un freno a la oferta cultural hacia la población, una pérdida de lo que, en definitiva, genera ciudadanía.

En resumen, la Plataforma de Festivales de Sevilla no está satisfecha con las decisiones tomadas desde el ICAS, vendidas como un consenso ante el que nos oponemos. Del presupuesto óptimo que necesitamos globalmente para llevar a cabo los 14 Festivales que conforman la Plataforma, el consistorio aportará en 2012 un 7,36% del total; sólo 8 Festivales serán apoyados económicamente por el ICAS y los 7 restantes se derivan a Juventud o a convocatorias públicas, con lo que no garantizan su aportación. De la aportación que solicitamos en conjunto al ICAS que suponía el 22,35% del total, hemos tenido un recorte del 40%. Tampoco garantizan las aportaciones del 2013 para los Festivales que no serán bienales.

Sentimos que nos han engañado, que las vías que se nos ofrecen no son las que llevan a nuestros objetivos, que existen más parches que estrategias y que nos han mareado. No podemos comprender más, entender más, solidarizarnos con “la situación” más, porque a base de comprensión no se pueden poner en pie nuestros proyectos, y menos cuando sabemos que se trata de una decisión asumible.

Firmado: Plataforma Festivales de Iniciativa Privada de Sevilla

BARCELONA INTERNACIONAL TEATRE (BIT) EN EL WORLD SHAKESPEARE FESTIVAL CON FORESTS

Coincidiendo con la Olimpiada Cultural de Londres 2012 y en el marco del World Shakespeare Festival, BIT presenta, conjuntamente con el Birmingham Repertory Theatre y con la colaboración de la Royal Shakespeare Company, un espectáculo dirigido por Calixto Bieito con una dramaturgia original del propio Bieito y de Marc Rosich (colaborador habitual de Bieito junto a quien ha adaptado novelas como Tirant lo Blanc, Plataforma o Camino Real, de Tennessee Williams que se estrena oficialmente en el Goodman Theatre de Chicago el sábado 10 de marzo) a partir de las múltiples referencias a los “bosques” de las obras Shakespeare. Forests será también un viaje en tres etapas, en paralelo con la Divina Comedia, a través del paraíso, el purgatorio y el infierno.

Forests se estrenará el próximo 4 de septiembre (funciones previas a partir del 31 de agosto) en The Old Rep Theatre de Birmingham (sede desde 1913 de una de las compañías más prestigiosas del Reino Unido que ha lanzado la carrera de actores de la talla de Laurence Olivier y de directores como Peter Brook, además de ser la primera en presentar obras de Shakespeare con vestuario actual) estará en cartel hasta el 15 de septiembre. Seguidamente iniciará una gira internacional con funciones del 6 al 10 de noviembre en el Barbican Centre de Londres. Los ensayos del espectáculo se iniciarán en el mes de julio en Birmingham.

Con un reparto de intérpretes internacionales encabezado por Josep Maria Pou (Premio Nacional de Teatro 2005 y protagonista de El rey Lear dirigido por Calixto Bieito para el Teatre Romea en 2004), George Costigan (cuyos trabajos más destacados incluyen los papeles de Claudio en Hamlet dirigido por Bieito en 2003 para el Birmingham Repertory Theatre o Willy Loman en Muerte de un viajante en el York Theatre Royal en 2008 y que ha trabajado en películas como Las chicas del calendario o Más allá de la vida de Clint Eastwood) y Roser Camí (Lady Macbeth y Regan en las puestas en escena de Bieito de Macbeth y El rey Lear); Calixto Bieito mostrará, a través de obras como Titus Andronicus, Sueño de una noche de verano, El rey Lear, Macbeth o Como gustéis, un “bosque” que representa en ocasiones un lugar para la huida, el castigo, o la condena; y en otras, un lugar de acogida o de redención.

Forests se interpretará simultáneamente en catalán e inglés, con los subtítulos correspondientes para que el público del país donde se represente pueda leer la totalidad del texto.

COMUNICADO DESDE EL PAÍS VACO: Peligra el futuro de las artes escénicas en vivo por la retirada del apoyo público

La asociación de Empresas de Producción Escénica Asociadas de Euskadi-ESKENA, la Asociación de Promotores Musicales Vascos-Euskal Promotoreen Elkartea-EUPREL; la Asociación de Profesionales de la Danza del País Vasco-ADDE y el sindicato Euskal Aktoreen Batasuna-EAB, apoyados por el Colectivo de Músicos de Euskadi, han denunciado el peligro en el que se encuentra el sector cultural “debido a los recortes que instituciones públicas locales, autonómicas y estatales están realizado en material cultural”, según han señalado la coordinadora de ESKENA, Amaia Ibañez, y la integrante de la Junta directiva de EAB, Miriam Martín, en la rueda de prensa ofrecida hoy ante el Ayuntamiento de Bilbao. La comparecencia ante los medios de comunicación de estos colectivos agrupados en la Plataforma Arte Bizia se ha repetido ante el Ayuntamiento de Donostia-San Sebastián y en la Plaza Correo de Vitoria-Gasteiz.

En la comparecencia han mostrado su preocupación por el futuro del sector cultural, que en 2009 daba empleo a más de 27.000 personas, y denunciaron que “estamos a merced de la buena voluntad de unos políticos que han recortado entre un 10% y un 40% las asignaciones municipales para actividades culturales y que propician programaciones elaboradas desde la merma presupuestaria, contratando actividades de bajísimo cachet o estrangulando económicamente a quienes presentamos espectáculos en vivo”.

Ante el peligro que supone la actual situación de recesión económica, los integrantes de la Plataforma Arte Bizia se ofrecen como interlocutores ante los partidos políticos y piden además “un diálogo interinstitucional por parte de los Ayuntamientos, Diputaciones y Gobierno Vasco para que por encima de los intereses partidistas se prime el apoyo a la cultura y se garantice un suelo mínimo de financiación al sector” y demanda de las instituciones locales un compromiso para destinar “un mínimo del 0’7% de su presupuesto global a programación de espectáculos en vivo”.

Nueve exbailarines del Ballet de Teatres de la Generalitat denuncian despidos improcedentes y emprenden acciones legales contra el ente público

Nueve exbailarines de la formación del Ballet de Teatres de la Generalitat, a los que el pasado 1 de enero no se les renovó el contrato, han interpuesto una demanda judicial contra el organismo público y la Conselleria de Cultura alegando la “nulidad” de dichos despidos. Una demanda que se encuentra en vía judicial y en la que solicitan su “readmisión inmediata a la compañía” y “una indemnización económica”.

Representados por el despacho de abogados Cuatrecasas y la abogada García Torregrosa, los bailarines aguardan “tranquilos” la resolución de una demanda ante un conflicto que, como señalan, alude a cuestiones “estrictamente laborales” y a “sus derechos como profesionales de la danza”. Y a este respecto, aclaran que no se hacen “responsables de las recientes informaciones aparecidas en prensa en las que se hacía referencia al contenido de esta demanda, ni a las declaraciones vertidas contra Ballet y Teatres”.

Los nueve exintegrantes de la formación artística -Far Alonso, Yvette García, Lara Hernandorena, Miguel Ángel Machado, Gustavo Muñiz, Lorena Ortiz, Bilyana Shopova, Miriam Vilas y Cathy Royo- se reunieron el pasado verano con el resto de los seis miembros de la compañía, que actualmente siguen en plantilla, para abordar las “presuntas irregularidades laborales” a las que estaban sometidos por parte del ente público y reivindicar conjuntamente “condiciones más dignas” para su trabajo. Irregularidades que, entre otros asuntos, hacían alusión al modelo de “contratos temporales encadenados” a los que estaban sujetos, pese a tener muchos de estos bailarines “más de una década de antigüedad en la compañía”.

Semanas después de esta reunión, señalan los excomponentes del Ballet, los seis integrantes del resto de la formación “se retractaron sospechosamente de las reivindicaciones”, los mismos a quienes “casualmente, se les ha renovado el contrato esta temporada”.

Los seis bailarines que actualmente siguen en plantilla emitieron el pasado fin de semana un comunicado público en el que acusaban a sus excompañeros de “desestabilizar” e “instaurar un ambiente irrespirable” en el seno de la compañía. Declaraciones que han causado “indignación” en los profesionales aludidos: “Queremos mostrar nuestro malestar y rotundo desacuerdo con el comunicado emitido, repleto de difamaciones personales muy graves y acusaciones carentes de pruebas, por lo que no descartamos emprender acciones legales por daño moral”. Dicho comunicado estaba firmado también por los miembros recientemente incorporados a la formación y que han sustituido a los bailarines despedidos. Un hecho que ha “extrañado profundamente” a éstos últimos, quienes no terminan de entender cómo “los nuevos bailarines, completamente ajenos a los acontecimientos sucedidos”, han dado su respaldo a dicho comunicado.

Los nueve exbailarines de la formación del Ballet de Teatres, todos ellos con un largo y reconocido recorrido profesional, lamentan “profundamente” verse implicados en un procedimiento judicial. Un procedimiento que, aseguran, ha sido “inevitable, pero necesario para preservar y mantener la dignidad y garantía de los derechos laborales de muchos de los profesionales que, como nosotros, dedican su vida a la danza”.

TNT y Atalaya presentan este año 2012 cuatro producciones nuevas

LA CELESTINA (Foto: Luis Castilla)

Gracias a la concesión de dos proyectos europeos a TNT (Sevilla), serán cuatro las producciones que lleve a cabo Centro de Arte y Producciones Teatrales, la personalidad jurídica que engloba a Atalaya y TNT, y que unidas a las cuatro que giran actualmente, sumarán entre todas ellas un total de 50 personas en gira.

El primer estreno será CELESTINA, la Tragicomedia de Atalaya, que después de 125 ensayos realizados desde el pasado mes de mayo, afronta en este mes, su último período de ajustes. Del 1 al 4 de marzo estará en el Teatro Calderón de Valladolid. Seguidamente, viajará a Cataluña y la Comunidad Valenciana. Humor, Eros y crueldad son los principales ingredientes de este montaje en el que, el trabajo de voces, alcanza su punto álgido en las tres décadas de Atalaya.

“CELESTINA, la Tragicomedia” que se estrenará a primeros de marzo del próximo año en el Teatro Calderón de Valladolid, posiblemente sea éste el trabajo más elaborado y ambicioso en el sentido artístico de cuantos haya desarrollado Atalaya en sus casi tres décadas de trayectoria, y supone una culminación a la misma. No en balde el número de ensayos supondrá un record: 145 días desde que comenzara el proceso en mayo del pasado año. El texto del autor anterior a Rojas y las dos versiones añadidas de éste suman más de 60.000 palabras que se han reducido a una quinta parte, dejando la magia de la obra y la fuerza fonética del texto originario, de manera que el espectáculo no exceda de las dos horas.

El grotesco, la crueldad, la magia y el rito -tan inherentes al lenguaje de Atalaya- marcarán el tono de esta puesta en escena protagonizada por Carmen Gallardo -una de las más carismáticas actrices del teatro andaluz- que hace 25 años fue elegida actriz revelación de la temporada teatral en Madrid y aquí alcanza su plena madurez, con un personaje que parece creado para ella, pleno de comicidad, poderío y fuerza emocional.

Tras los premios y excelente acogida de crítica y público a Ricardo III ésta será la segunda entrega de la trilogía de Teatro del Siglo de Oro, justamente con la obra que da inicio a dicha época. Si la trilogía de las heroínas de la Tragedia griega -Elektra, Medea y Ariadna- supuso para Atalaya la consolidación de su lenguaje coral, esta segunda trilogía supone un salto en la creación de personajes universales y en el dominio de la técnica de la palabra poética.

El propósito de este proceso de montaje es que se le pueda aplicar la crítica recibida por Ricardo III respecto a su rigor y a la vez su carácter innovador: “Gracias a una aplicación rigurosa e inteligente de planteamientos teatrales de vanguardia, Atalaya consigue la paradoja de renovar escénicamente a Shakespeare desde un respeto esencial al texto para que sea más él mismo; para que el espectador pueda descubrir su violencia y su ambigüedad poéticas en estado puro. La obra constituyó todo un espectáculo en el sentido más elevado de la palabra, puesto al servicio de un clásico. La impresión final era ésa: la emoción profunda de haber asistido a la representación de un clásico”

Estreno Absoluto 1 al 4 de marzo de 2012 en el Teatro Calderón de Valladolid

A finales de mayo, se llevará a cabo el estreno del espectáculo enmarcado en el programa Al Este del Edén. Será el primero de los dos proyectos europeos que se desarrolle en nuestro centro. Se trata de una iniciativa de la Oficina del Parlamento Europeo en España, y del Ministerio de Asuntos Exteriores y Cooperación Internacional. El montaje se realizará tras un proceso de investigación social con jóvenes desempleados, basándose en seis personajes dirigidos por Pepa Gamboa. Se presentará entre los meses de mayo y junio en Madrid y en otras cinco ciudades de España.

En junio se estrenará el montaje enmarcado en Caravan Project, el programa que ganó el concurso de proyectos de la Unión Europea en 2011. Contará con 11 organizaciones culturales de 9 países europeos, 50 actores, músicos, técnicos y directores de teatro, 100 trabajadores sociales, instructores, voluntarios, 42 meses de duración del proyecto, 40 paradas en 11 países, 4 producciones de teatro, 50 actuaciones y 10 seminarios

TNT representa a España con un espectáculo que viajará a dos ciudades españolas, cinco francesas, Bruselas –donde asistirá una extensa representación de comisionados europeos-, dos ciudades alemanas y Holstebro, ciudad donde reside el Odin Teatret. La prestigiosa compañía que tomará el relevo a TNT para llevar su propio montaje hasta Bulgaria. Desde allí, el Municipal Theatre de Sofía búlgaro, hará lo propio hasta Torino, ciudad desde donde partirá en abril el primero de los cuatro montajes que trazarán un círculo alrededor de Europa y que llegará a Sevilla en la primera semana de mayo.

Nuestro montaje contará con tres actores españoles y un actor sueco invitado. Previamente a cada función, se realizará un encuentro con colectivos y asociaciones de la ciudad en la que se realice la parada. En Sevilla, se llevará a cabo un proceso de trabajo con colectivos marginados de los que se extraerán ideas sustanciales para el espectáculo. El lema común de los cuatro montajes europeos será “Renacer de la crisis”. En el caso español se ha elegido como referente El hombre de la Mancha.

Por último, a finales de septiembre se estrenará en la Bienal de Flamenco de Sevilla el espectáculo de teatro flamenco Aleluya erótica de Lorca –subtítulo de Los amores de don Perlimplin…, interpretado por Rosario Toledo, una de las figuras más actuales del baile flamenco. A la voz, José Valencia, prestigioso cantaor, que ya ha protagonizado diversos personajes teatrales y que, en este caso, encarnará a don Perlimplin. Cierra el elenco Dani Méndez, guitarrista y compositor flamenco. La dirección correrá a cargo de Juana Casado, directora invitada por TNT con una larga trayectoria en el mundo del flamenco y ganadora del Certamen Nacional de directoras en 2006.

Durante 2012 continuarán las giras de Ricardo III, que ha cosechado hasta el momento 5 premios en diferentes comunidades autónomas y A solas con Marilyn de Alfonso Zurro -ambos montajes de Atalaya-. Por parte de TNT, vuelven a escena las mujeres del Vacie, que con su “Bernarda Alba”, han emocionado a 30.000 espectadores en 10 comunidades autónomas y obtenido 8 premios. Este montaje había finalizado sus giras con el homenaje a una de las intérpretes que murió hace un año, pero tras el reportaje emitido en Documentos TV, que dedicó por vez primera un programa a las artes escénicas se nos ha solicitado por parte de programadores de Palma de Mallorca (Teatre Principal) y otras ciudades de la comunidad valenciana, Castilla y Andalucía. También continúa su gira El sueño de una noche de verano, interpretado por jóvenes del Vacie y las Tres Mil Viviendas, que se estrenó en Liverpool el pasado año.

En total serán más de cincuenta las personas que participen en los 8 espectáculos en gira de Atalaya y TNT, el mayor número en nuestra historia en un mismo año.

ACTA, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Andalucía, reacciona ante la cifras de la última producción del Centro Andaluz de Teatro hechas públicas por la Junta de Andalucía

Una vez más asistimos con estupor a la noticia recogida en el día de hoy (10-1-2012) por varios medios de comunicación como El País, El Diario de Sevilla, El Ideal o El Diario de Cádiz, y que habla de la presentación del nuevo espectáculo del CAT. ( 1 )

Según nos cuenta la nota el presupuesto de producción está en torno a los 300.000€. A esta cantidad hay que añadirle una similar para su distribución por Andalucía según palabras del propio Consejero, por lo que el coste final del montaje, cuando acabe la gira sufragada por la Junta de Andalucía, será probablemente superior a los 600.000 euros. Sin entrar a valorar la propuesta nos parece que en medio de los continuos recortes en las ayudas al sector privado que estamos sufriendo, un gasto de esa envergadura se nos antoja como un disparate. En el pasado año 2011 la convocatoria de ayudas al sector privado ha sido de 790.000 € aproximadamente y se han beneficiado alrededor de 37 compañías en las modalidades de producción y gira. Es decir, en una sola producción institucional se ha invertido prácticamente la misma cantidad que en todo el apoyo a la producción y giras de todas las compañías andaluzas (unas 250), de las cuales solo 37 han obtenido dicho apoyo (se presentaron unas 120 compañías a la convocatoria de subvenciones).

Cualquier ciudadano puede realizar su propia comparativa entre la repercusión de una sola producción y una gira inicial por nueve ciudades (según publica la prensa) respecto a 37 giras de 37 espectáculos producidos por las mencionadas 37 compañías.

Entendemos que pueda existir una producción pública al hilo de la conmemoración de la Constitución de 1812 pero también creemos que este tipo de acciones culturales se pueden realizar desde otros modelos y fórmulas de gestión y producción, por ejemplo en colaboración con el sector privado, desde donde con toda probabiliad se podrían acometer con cifras más cercanas a la realidad que en estos momentos amenaza al mundo de la cultura en general y de las artes escénicas en particular.

Según leemos en alguno de los artículos publicados en prensa -por ejemplo en Diario de Sevilla-, se expresa claramente que este tipo de producciones no las puede llevar a cabo el sector privado. Es evidente y salta a la vista que el sector privado andaluz no puede contar a día de hoy con esos presupuestos para abordar semejantes aventuras escénicas. Lo que cuestionamos y rechazamos es que en estos momentos se sigan haciendo estas apuestas institucionales que como casi todas quedarán restringidas en un ámbito particular.

En ese sentido queremos recordar que desde ACTA ya hemos definido y pactado con la administración autonómica algunas formas de coproducción entre el sector publico y el privado que han de ser, sobre todo ahora, fórmulas de futuro que procuren que las artes escénicas no se hundan entre tantos recortes y reducciones presupuestarias. En este marco se pueden ubicar este tipo de espectáculos enfocados de una manera más racional y sostenible en cuanto al presupuesto.

Por lo tanto expresamos nuestro rechazo de plano a estas inversiones carentes de rédito social y económico, las cuales, se nos vuelven a aparecer como fantasmas de un pasado no muy lejano.

FIRMADO: La Asociación - Más información: www.teatroandaluz.es

( 1 ) N. del E.: Aunque ACTA no cita el título de "la última producción", podemos confirmar que se trata de "El estado de sitio", de Albert Camus. Sobre este espectáculo se puede leer información en NT, sección AUTORES Y OBRAS, para ir pulsa aquí ->

Presentación de la Unión de Actores de la Región de Murcia

Se crea la Unión de Actores de la Región de Murcia. Como objetivo primordial para la asociación, “la necesidad de dignificar la profesión de actor”.

La Unión de Actores de la Región de Murcia (UARM) fue presentada oficialmente el 27 de diciembre de 2011 en la Consejería de Cultura. Fue inscrita en el registro de asociaciones de esta región el 11/11/2011.

El presidente de esta asociación, Salvador Serrano, señaló, “Como colectivo tenemos un objetivo: dignificar la profesión. Como todos sabéis, dignidad es el respeto y estima que una persona tiene de sí misma y merece que se lo tengan las demás personas. Conseguir el
respeto hacia la profesión de actor es básico y primordial, lo que se respeta se valora. Si el actor se perdiera, la sociedad perdería el espejo donde mirarse".

Otro de los objetivos vitales que persigue este colectivo es el de ejercer una representación colectiva y permanente de los actores de la Región ante todas las Instituciones Públicas, Privadas y Medios de Comunicación Social, en definitiva, promocionar social y culturalmente la profesión del actor/actriz y asumir la defensa de Actores y Actrices en su imagen pública, respeto y dignidad profesional dentro de los medios de comunicación.

Además la UARM pretende propiciar y promover uniones o confederaciones con otras Asociaciones de Actores que actúen en distintos ámbitos territoriales (estatales o internacionales)." El lunes, día 19-12-2011, se aprobó en la junta de gobierno de la FAEE su solicitud de ingreso. La UARM, desde ese momento, esta integrada en esa organización, que agrupa a las Uniones de Actores de las diferentes regiones del estado español.

En la Región de Murcia hay unos 200 actores en activo, ocho o diez compañías de teatro que trabajen periódicamente y con trabajo intermitente alrededor de la veintena. Respecto a las productoras audiovisuales unas 20 o 25 hacen trabajos periódicamente con la participación de actores. Además cada año alrededor de una treintena de nuevos licenciados terminan su formación en la Escuela Superior de Arte Dramático, la gran mayoría de procedencia murciana. "Todo esto nos lleva a ver que la profesión de actor está muy presente en la sociedad murciana y entonces se hacía necesario la creación de una asociación que los aglutinara"

Al acto asistieron representantes de las principales compañías murcianas, programadores de teatros, asociaciones de productoras audiovisuales, el director de la ESAD, actores destacados de la región y otros agentes del medio artístico relacionados con la interpretación. El actor Juan Meseguer fue el invitado de honor en esta presentación representando a todos los actores murcianos que están fuera, pidió que de aquí en adelante "no tengan que avalarnos de fuera".

Por su parte, el consejero de Cultura, Pedro Alberto Cruz, señaló que “estos momentos de crisis es necesario todo este tipo de asociaciones que permitan la agrupación de los gremios”, puesto que 'sirven para vertebrar colaboraciones y, por supuesto, permiten una optimización de los medios que sin esta agrupación sería absolutamente imposible”.

Para unirse a la UARM es necesario ser licenciado de una escuela superior de arte dramático (o algún centro que imparta estudios referidos a la profesión de actor) o poder acreditar trabajos profesionales como actor. La dirección de correo electrónico para contactar con la UARM es uniónactoresregionmurcia@gmail.com.

Web:(en construcción en el momento de preparar esta edición (15-1-2012) www.uarm.es

comunicado de Las principales asociaciones valencianas del sector del teatro, la danza y el circo sobre el retraso de las ayudas municipales

Valencia, 22 de diciembre 2011.- Las seis principales asociaciones que representan al sector profesional de las artes escénicas valencianas -Asociación Valenciana de Empresas de Danza (AVED), Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana (APDCV), Asociación de Empresarios de Teatro y Circo (AVETID), Asociación de Actores y Actrices Profesionales Valencianos (AAPV), la Asociación de Profesionales del Circo de la Comunidad Valenciana (APCCV) y la Federación de Espacios Teatrales Independientes (FETI)-, han unido su voz para mostrar su preocupación por los últimos acontecimientos que afectan al ámbito escénico. Acontecimientos que, a su juicio, ponen en peligro “la sostenibilidad” del sector y se encaminan hacia el “desmantelamiento acelerado” del tejido que lo compone.

Las más de una treintena de compañías teatrales, de danza y circo, los varios centenares de actores, bailarines e intérpretes de circo y la media docena de espacios teatrales independientes agrupados en las distintas asociaciones denuncian el recorte de ayudas, cercano al 60%, que han sufrido en los dos últimos años por parte del Ayuntamiento de Valencia. Junto a ello, el colectivo profesional y artístico lamenta “el injustificable retraso de las ayudas municipales”, publicadas el pasado 7 de diciembre, que deberán resolverse prácticamente en el 2012. Una situación que ha obligado a los distintos agentes y profesionales a operar sin saber de lo que van a disponer para dicho período.

Los trabajadores de las artes escénicas valencianas manifiestan también la “incertidumbre e inseguridad” con la que vive el sector por “la falta de concreción” que, desde la Diputación de Valencia, se proyecta sobre el futuro del Servicio de Asistencia y Recursos Culturales (SARC), departamento que sostiene el circuito que hace de intermediario entre los colectivos artísticos y los ayuntamientos y que se hace cargo de parte de la financiación de sus contrataciones. En este punto, al igual que en el caso del consistorio, el tejido asociativo lamenta tener que seguir esperando la resolución de la red de compras de dicho organismo, al que muchas compañías y creadores se presentaron en el mes de mayo. Por ello, consideran “completamente inaceptable que no se haya informado públicamente de lo que está ocurriendo para no dar cabida a la extendida rumorología sobre su incierto futuro”.

Las distintas asociaciones muestran también su malestar ante “la lamentable suspensión del Festival VEO, espacio de referencia única para las artes escénicas en la ciudad y principal referente de innovación y contemporaneidad escénica en Valencia”. Recortes y cancelaciones que afectan al sector y, que en palabras del colectivo, “están en línea con los ya anunciados en los últimos meses por Teatres de la Generalitat Valenciana, tanto en lo que se refiere a la reformulación del Circuit de Teatres, como a los posibles recortes en las ayudas para 2012” .

Las asociaciones teatrales, de danza y circo afirman ser conscientes de la gravedad de la crisis actual, pero reclaman que los recortes sean “moderados” y “equilibrados”, y que es de absoluta prioridad “que se consulten con el sector en aras de encontrar fórmulas de compensación y equilibrio que no desmantelen directamente el tejido existente”. Unas fórmulas de compensación que deben ir hacia “la implementación de nuevas ideas en la gestión que caminen hacia la racionalización de los recursos, favorezcan el hecho de compartir los mismos y vinculen la creación con el territorio y la ciudadanía”.

Por último, los distintos agentes consideran que en este momento de crisis es más necesario que nunca seguir teniendo “una línea estratégica de qué hacer con y cómo apoyar al tejido de las artes escénicas”, del mismo modo que “redirigir algunos objetivos de las políticas culturales hacia el trabajo de base con los creadores y trabajadores de la cultura (incluyendo también a los públicos) de la ciudad y la Comunidad que, en última instancia, son la fuerza viva existente”. Por todo ello, el colectivo insta a las diferentes administraciones implicadas a que “dialoguen y consensúen” con el sector las políticas y estrategias a seguir, “puesto que una política cultural caracterizada por el hermetismo o la falta de información, y que se realice de espaldas al sector, está condenada al más absoluto fracaso”.

AVED (Asociación Valenciana de Empresarios de Danza)

APDCV (Asociación de Profesionales de la Danza de la Comunidad Valenciana)

AVETID (Asociación Valenciana de Empresarios de Teatro y Circo)

AAPV (Asociación de Actores y Actrices Profesionales valencianos)

APCCV (Asociación de Profesionales de Circo de la Comunidad Valenciana)

FETI (Federación de Espacios Teatrales Independientes)

El fraude del Festival VEO de VALENCIA (España)

Hace menos de seis meses, el PP de Valencia ganó las elecciones municipales con un programa electoral en el que se podía leer, como uno de sus objetivos con la cultura y la juventud, la promesa de "Consolidar el festival de teatro, música y danza València Escena Oberta (VEO), como plataforma para promocionar nuevos valores en el ámbito de las artes escénicas y fomentar el contacto entre los artistas y el público". Hace pocos días un diario local publicaba la noticia de que el PP va a suprimir el festival VEO. La reacción ha sido inmediata: se ha constituido la plataforma Veo Indignación que está consiguiendo reunir miles de firmas para pedir al Ayuntamiento "una reflexión seria acerca de su responsabilidad con la cultura y la ciudadanía para la que trabajan. Creemos que no se ha tenido en cuenta la transcendencia de este proyecto y esperamos un cambio en su actitud que rectifique su decisión". La plataforma está sumando amigos cada día a través de las redes sociales, y prepara acciones públicas para denunciar lo que consideran "un fraude electoral".

Según la plataforma Veo Indignación, "la supresión del festival VEO de Valencia es una "demostración de fuerza y un síntoma claro del proceso de privatización que está sufriendo la cultura en manos del Partido Popular en toda España. El Festival VEO no era el tipo de proyecto público al que se pudiera acusar de gestión económica ineficaz: a pesar de que en los últimos 5 años su presupuesto había menguado cerca del 50%, su diseño de programación había conseguido adaptarse a las sucesivas reducciones económicas, manteniendo la calidad artística y la afluencia de espectadores". Pero no ha sido un recorte presupuestario más, sino la aniquilación absoluta, la opción de la Concejala de Juventud, Beatriz Simón, ante un proyecto cuya consolidación prometía en el programa electoral. "Esta operación -señala la plataforma- es un descarado engaño a los ciudadanos valencianos".

El Festival VEO había sido durante 9 años el gran proyecto de la Fundación VEO, dependiente de la Concejalía de Juventud. Afirma la plataforma que "era el único programa de gestión pública directa del Ayuntamiento de Valencia sobre las Artes Escénicas, y era un ejemplo de gestión pública eficaz; sin deudas, sin impagos, sin polémicas, con las entradas casi agotadas en todas sus ediciones, un auténtico vivero de creación artística, pensamiento crítico y crecimiento cultural, para todas las personas (artistas, gestores, espectadores) que se han acercado a él, y un lugar de referencia y encuentro de las artes en vivo no sólo a nivel nacional sino también internacional, como demuestran los apoyos recibidos por parte de profesionales de todo el mundo".

Y ahora a la espera, vigilantes

La plataforma Veo Indignación se mantiene ahora a la espera de que la Concejala de Juventud, Beatriz Simón, anuncie si ha conseguido o no un patrocinador privado para poder abrir la Nave 3, el auditorio dedicado a las artes escénicas que se ha ofrecido como alternativa al Festival VEO, cuya rehabilitación cuesta 3 millones de euros y que supuestamente va a "Enriquecer la oferta de la ciudad en relación con las artes escénicas a través de la programación y ofrecer a los jóvenes artistas la oportunidad de desarrollar su actividad y darse a conocer". O eso dice el programa electoral con el cual el PP ganó las pasadas elecciones municipales. Por el momento, dos de las naves están en uso pero los jóvenes artistas que las utilizan deben pagar un alquiler por los espacios. La Nave 3 se encuentra en obras y su inauguración está prevista para principios del próximo año. "Por eso estamos tan interesados en saber si Beatriz Simón conseguirá el preciado patrocinador, porque de lo contrario esas naves, que nacen sin presupuesto para su funcionamiento, también se van a quedar cerradas".

Más información en: veoindignacion@gmail.com - En Facebook, pulsa aquí ->

Recogida de firmas : www.actuable.es/peticiones/dile-al-ayuntamiento-valencia-no-suspenda-festival-veo

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